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A ficção retrata a vida

Rua Augusta. Frame. Reprodução

 

Primeira série de ficção produzida pela TNT Brasil (em parceria com a O2 Filmes), Rua Augusta [classificação indicativa: 16 anos] é uma adaptação da série israelense Allenby Street, e terá todos os episódios da primeira temporada disponibilizados amanhã (15) na plataforma Now/Net – Homem de vícios antigos assistiu aos dois primeiros episódios.

Como indica o título, o desenrolar das ações do núcleo central se dá em torno da famosa Rua Augusta, onde fica a boate Hell, palco de duas tentativas de assassinato em uma única noite.

Tecnicamente bem realizada, a câmera se movimenta bem em cenas dentro e fora da boate, mostrando o agito da noite paulistana, com seus personagens típicos. A série aponta para uma trama policial, cujo enredo inclui a certeza da impunidade por parte da playboyzada que acha que pode tudo, grandes poderes de figurões do empresariado, em conluio com autoridades para passar por cima de tudo e de todos para conseguir o que quer, corrupção (policial) e sede de vingança, em vez de justiça – qualquer semelhança com fatos ou pessoas reais no Brasil do golpe não deve ser mera coincidência.

Rua Augusta tem como protagonista a misteriosa prostituta Mika, interpretada por Fiorella Mattheis, num elenco que no geral dá conta do recado. O time se completa com Lourinelson Vladimir (Alex, proprietário da Hell), Milhem Cortaz (o segurança Raul), Rui Ricardo (o segurança Dimas), Rodrigo Pandolfo (Emílio, um jornalista trapalhão quase inverossímil, capaz de perder a notícia sob suas barbas), Pathy de Jesus (Nicole, stripper de vida dupla, talvez, ao menos nestes episódios iniciais, a interpretação mais artificial da trama), Jonathan Haagensen (Bruno, namorado de Nicole), Carlos Meceni (o empresário Maurício Amaral) e Zemanuel Piñero (Cézar, pau mandado de Amaral).

Rua Augusta tem direção de Pedro Morelli e Fábio Mendonça. O roteiro é assinado por Ana Reber, Jaqueline Vargas e Julia Furrer, o que deve garantir o olhar por um ângulo privilegiado à protagonista e ao núcleo feminino da série. A conferir.

Melhores de 2016

Quase nunca me arrisco em listas de melhores do ano. Apesar dos olhos e ouvidos atentos ao que rola no mundo da arte/cultura/entretenimento, sei que ando longe de ter lido/ouvido/assistido a tudo, ou ao menos a maior parte, além do fato de o Maranhão ser um tanto fora de rota (apesar de louváveis esforços mais ou menos recentes) e as coisas (livros, discos, shows, filmes, peças etc.) demorarem (ou nem) a chegar(em) até aqui. O fato é que sempre acho que minhas listas estão aquém do que poderiam/deveriam ser. E nisto, certamente os poucos mas fiéis leitores concordarão comigo. E concordarão mais ainda os que discordarem da lista, vocês entendem.

O fato é que Marcelo Costa, um dos pioneiros do jornalismo cultural na internet brasileira, editor do Scream & Yell, convidou-me (baita honra!) para votar nos Melhores de 2016 de seu site. Ele esteve em São Luís em novembro passado, participando do Festival BR 135/ Conecta Música, ocasião em que mediei uma mesa com ele, Alexandre Matias (Trabalho Sujo) e Roberta Martinelli (Cultura Livre, Som a Pino).

Até o final de janeiro Scream & Yell publica seu resultado final, compilando os votos de cerca de 100 formadores de opinião de todo o Brasil – esta sim, a lista que vale a pena. Torno públicos, a seguir, meus votos, tendo deixado algumas categorias incompletas e outras sem preencher – ambos os casos frutos do exposto no parágrafo inicial.

MELHOR DISCO NACIONAL

Só vou chegar mais tarde. Capa. Reprodução

1. Só vou chegar mais tarde, Edvaldo Santana – O cantor e compositor de São Miguel Paulista já citava São Luís e o tambor de crioula na letra de Jataí, faixa-título de seu álbum anterior, com cujo show (no formato voz e violão) passou pelo Cine Teatro da Cidade de São Luís em novembro daquele ano. Neste novo disco volta a surpreender: o bolero Ando livre cita o Bar do Léo, que ele conheceu naquela viagem, e conta com a participação especial de Rita Benneditto. Mas ele não encabeça essa lista por puro bairrismo. Ouçam e entendam!

Tropix. Capa. Reprodução
Tropix. Capa. Reprodução

2. Tropix, Céu – Perfume do invisível estava na trilha de Velho Chico, o melhor acontecimento da teledramaturgia brasileira em 2016. Orgânico e eletrônico, o disco tem produção do francês Hervé Salters (General Elektriks) e Pupilo (Nação Zumbi). Merece destaque a regravação de Chico Buarque song, da mítica Fellini.

Fábrica de animais. Capa. Reprodução
Fábrica de animais. Capa. Reprodução

3. Fábrica de Animais, Fábrica de Animais – Não foi à toa “Fazendo do mundo um lugar mais legal pra viver” ter dado título à minha resenha do segundo disco da banda liderada por Fernanda D’Umbra, batizada por romance de Edward Bunker. Rock’n roll de alta voltagem poética.

Hóspede da natureza. Capa. Reprodução
Hóspede da natureza. Capa. Reprodução

4. Hóspede da natureza, Cátia de França – Disponível para download gratuito e legal na web, o disco novo de Cátia de França levou 10 anos maturando. Gravado em 2005, com músicos que tocaram com Cássia Eller, só foi lançado ano passado, revelando a força da autora de Kukukaya, gravada por Xangai e Elba Ramalho.

Bagaça. Capa. Reprodução
Bagaça. Capa. Reprodução

5. Bagaça, Bruno Batista – O quarto disco de Bruno Batista é o primeiro em que ele grava parcerias. Sempre que ouço o artista, em discos ou shows, me pergunto: quando é que Maria Bethânia e/ou Ney Matogrosso irão gravar suas canções?

MELHOR DISCO INTERNACIONAL

Day breaks. Capa. Reprodução
Day breaks. Capa. Reprodução

1. Day breaks, Norah Jones – O retorno da artista ao jazz.

You want it darker. Capa. Reprodução
You want it darker. Capa. Reprodução

2. You want it darker, Leonard Cohen – 2016 foi um ano de grandes baixas. A exemplo de Bowie, Cohen deixou um belo disco antes de partir.

Blue & Lonesome. Capa. Reprodução
Blue & Lonesome. Capa. Reprodução

3. Blue & Lonesome, Rolling Stones – Se o blues é o pai do rock, os vovôs Stones seguem na ativa com um belo disco na volta às origens.

Blackstar. Capa. Reprodução
Blackstar. Capa. Reprodução

4. Blackstar, David Bowie – A “necrofilia da arte” (como cantou o Pato Fu) em torno do camaleão ter previsto a própria morte não ofuscou (ainda bem!) a beleza e a importância de seu derradeiro registro.

I still do. Capa. Reprodução
I still do. Capa. Reprodução

5. I still do, Eric Clapton – Título autoexplicativo.

MELHOR SHOW NACIONAL

Foto: divulgação/ BR 135
Foto: divulgação/ BR 135

1. Nação Zumbi, Afrociberdelia – 20 anos, Festival BR 135, Praça Nauro Machado, São Luís – Uma noite mágica!

 

Foto: Marco Aurélio/ BR 135
Foto: Marco Aurélio/ BR 135

2. Di Melo, O Imorrível, Festival BR 135, Praça da Criança, São Luís – Outra noite mágica! O lendário Di Melo, pela primeira vez na ilha, acompanhado por instrumentistas locais. Show ao vivo não deixou nada a dever ao groove do disco inaugural de Di Melo, de 1975, um dos grandes álbuns do soul/funk brazuca. Apresentação misturou músicas daquele com faixas de O imorrível [2016], segundo álbum oficial de Di Melo.

Foto: Jotabê Medeiros
Foto: Jotabê Medeiros

3. Tássia Campos, Encontrando Belchior, Odeon Sabor e Arte, São Luís – 2016 foi o ano do #foratemer e do #voltabelchior. O show que a cantora dedica ao repertório do cearense teve algumas edições. Esta, particularmente, contou com a participação especial de Jotabê Medeiros, que contou uma história, uma das muitas que conta/rá em Pequeno perfil de um cidadão comum, belchiorgrafia que publica este semestre. O jornalista esteve em São Luís participando da Feira do Livro, ocasião em que leu um trecho inédito do livro que está escrevendo.

Foto: Márcio Vasconcelos
Foto: Márcio Vasconcelos

4. Bruno Batista, Bagaça, Mandamentos Hall – “O melhor show de Bruno Batista (até aqui)”, anotei em texto sobre o show.

Fotosca: ZR
Fotosca: ZR

5. Alexandra Nicolas, Eu vou bulir com tu, Espigão Costeiro da Ponta d’Areia, São Luís – A cantora realizou sete apresentações em praças públicas de São Luís, com repertório baseado em ritmos consagrados no Nordeste, pitadas de duplo sentido e um pé também no carimbó paraense. Os shows serviram também de teste de repertório para seu segundo disco, provisoriamente intitulado Bulir com tu, que ela começa a gravar neste primeiro semestre, a ser lançado ainda em 2017.

MELHOR FILME NACIONAL

Aquarius. Cartaz. Reprodução
Aquarius. Cartaz. Reprodução

1. Aquarius, de Kléber Mendonça Filho – Por tudo.

Matheus Nachtergaele e Rafael Nicácio em cena de Big jato. Frame. Reprodução
Matheus Nachtergaele e Rafael Nicácio em cena de Big jato. Frame. Reprodução

2. Big Jato, de Claudio Assis – Baseado na autoficção homônima de Xico Sá, o filme tem Mateus Nachtergaele em dois papéis e a participação especial de Jards Macalé interpretando o príncipe Ribamar da Beira Fresca, espécie de louco da aldeia.

Lua em sagitário. Cartaz. Reprodução
Lua em sagitário. Cartaz. Reprodução

3. Lua em sagitário, de Márcia Paraíso – Belo romance juvenil merece destaque por abordagem diferenciada em relação ao (quase) sempre criminalizado MST.

MELHOR LIVRO

O conto zero e outras histórias. Capa. Reprodução
O conto zero e outras histórias. Capa. Reprodução

1. O conto zero e outras histórias, Sérgio Sant’Anna – Melhor contista brasileiro em atividade.

Visões de um Poema Sujo. Capa. Reprodução
Visões de um Poema Sujo. Capa. Reprodução

2. Visões de um Poema Sujo, Márcio Vasconcelos – O fotógrafo faz sua releitura particular da obra prima de Ferreira Gullar. Este mês ele inaugura exposição em São Paulo.

Ostreiros. Capa. Reprodução
Ostreiros. Capa. Reprodução

3. Ostreiros, Bruno Azevêdo e Ana Mendes – Fotos e perfis de ambulantes da orla de São Luís. Um livro necessário e divertidíssimo.

Trinta e poucos. Capa. Reprodução
Trinta e poucos. Capa. Reprodução

4. Trinta e poucos, Antonio Prata – Coletânea de crônicas publicadas na Folha de S. Paulo do melhor cronista em atividade no Brasil (sorry, Luis Fernando Veríssimo).

Os visitantes. Capa. Reprodução
Os visitantes. Capa. Reprodução

5. Os visitantes, B. Kucinski – O autor confirmou seu nome entre os grandes da literatura brasileira já em seu livro de estreia (na ficção), K, de 2011. Os visitantes é uma espécie de errata literária: Kucinski faz um novo livro a partir de incorreções de obra anterior, com a ditadura militar brasileira como tenebroso cenário.

O MELHOR DA TV

Reprodução
Reprodução

1. Cultura Livre, TV Cultura – Roberta Martinelli conviveu alguns anos com Fernando Faro, o nome mais importante para a música na televisão brasileira. Após sete temporadas de resistência com o Cultura Livre, ela estreou o diário Som a Pino, na Rádio Eldorado e assina uma coluna com o mesmo nome nO Estado de S. Paulo. Martinelli é uma das mais atentas observadoras da cena musical contemporânea no Brasil. Fernando Faro não deixa lacuna e certamente se orgulha dos esforços e resultados da discípula.

2. Baile do Baleiro, Canal Brasil – O maranhense Zeca Baleiro transformou em programa de tevê a ideia simples e eficiente de um show/festa em que se une a nomes das mais variadas gerações e estilos musicais para cantar suas memórias afetivas. Primeira temporada teve seis episódios e em seu palco nomes como Blubell, Wado, Odair José, Maria Alcina e Luiz Ayrão, entre outros, entre música e conversa. Que 2017 traga outra temporada, tão inspirada quanto.

Foto: divulgação/ Canal Brasil
Foto: divulgação/ Canal Brasil

3. Transando com Laerte, Canal Brasil – Nos últimos anos, Laerte deu algumas guinadas em sua vida/carreira, mostrando-se bastante competente em todas. No programa, explora sua veia de entrevistador e segue como a cartunista que melhor traduz a tragédia brasileira em tempos de golpe.

4. Velho Chico, Globo – A novela merece destaques pelo elenco, fotografia, locação e trilha sonora. Quase naufraga com a tragédia que levou Domingos Montagner, o Santo dos Anjos, um de seus protagonistas, que morreu afogado nas águas do Rio São Francisco, cujo apelido batizou a trama.

MELHOR VIDEOCLIPE

1. Perfume do invisível, Céu

2. Cuida com cuidado, Palavra Cantada

3. Bulir com tu, Alexandra Nicolas

4. Vida em vermelho, Blubell

Zeca, Baileiro

Há tempos digo e reafirmo: Zeca Baleiro é o maior trabalhador da música popular brasileira em atividade. Só este ano, já lançou o cd Era domingo, o dvd A viagem da família Zoró e o livro Quem tem medo de Curupira? [Companhia das Letrinhas, 2016, 80 p.; leia um trecho] – os dois últimos, respectivamente, videoclipes animados para 11 das 28 faixas do disco Zoró – Bichos esquisitos, que lançou há dois anos, e um livro com o texto da peça escrita para o grupo ludovicense de teatro amador Ganzola, no longínquo 1988, quando sequer tinha se mudado para São Paulo ou gravado seu disco de estreia [Por onde andará Stephen Fry?, 1997]. De temática infantil, dvd e livro foram lançados neste mês das crianças.

Justo no dia das crianças (12 de outubro) estreou, no Canal Brasil, sua mais nova empreitada: o programa Baile do Baleiro, que transita entre apresentações do maranhense com artistas convidados interpretando músicas autorais (dos convidados, no caso) ou alheias e os bastidores, em que aparecem o clima descontraído dos ensaios, os encontros de Zeca com as visitas e ligeiras entrevistas que ele faz com os mesmos, sobre suas referências e memórias musicais (e) afetivas.

O programa de tevê enquadra um formato de show que Baleiro apresenta há mais de uma década – quando passou pelo Maranhão teve como convidada a sambista Patativa, de quem ele viria a produzir Ninguém é melhor do que eu, seu disco de estreia.

Sem preconceito de estilo ou faixa etária participaram do primeiro programa a cantora Blubell e o soulman Hyldon, que fizeram bonito em músicas como o tango Bandido, dela, e as clássicas As dores do mundo e Na rua, na chuva, na fazenda (Casinha de sapê), ambas dele. Com ela, Baleiro dividiu Mamãe passou açúcar em mim (Wilson Simonal) – sozinho, ele abriu o programa com Segura esse samba, ogunhé (Osvaldo Nunes).

Cantadas sozinhas ou em dueto com o anfitrião, as músicas acabam convertendo-se em, além de festa, uma espécie de almanaque da música dançante (com inteligência) brasileira, a partir da revisitação a baús particulares e à grande tradição da canção popular, para usarmos termo parecido à justificativa da academia sueca em premiar Bob Dylan com o Nobel de Literatura – prêmio festejado tanto por Zeca Baleiro quanto pelo modesto repórter que ora lhes comenta seu novo programa.

Baile do Baleiro vai ao ar às quartas-feiras às 21h (horário de Brasília; hora local: 20h), com reprises aos sábados às 16h30 (no horário de verão) e às terças às 12h30 (idem). O segundo episódio, no próximo dia 19, terá como convidado Odair José. Em outros episódios Baleiro receberá ainda Edy Star, Guilherme Arantes, Jurema, Luiz Ayrão, Maria Alcina, Wado e Zizi Possi.

Veja o teaser do programa:

Saraus de choro em praças públicas de São Luís vão virar programas na TV UFMA

Em entrevista a Homem de vícios antigos o professor Silvano Bezerra, diretor da emissora universitária, comenta a parceria firmada com a produção do projeto RicoChoro ComVida na Praça

Desde a inauguração da TV UFMA, em outubro passado, o canal vem sendo conduzido pelo professor doutor Silvano Bezerra. Um enorme desafio, sobretudo em virtude do atual momento político por que passa o Brasil.

Doutor em Ciências da Comunicação pela Universidade do Vale do Rio dos Sinos (2005), Mestre em Ciência da Informação pela Universidade Federal da Paraíba (1998), professor do Curso de Comunicação Social e do Programa de Pós-graduação em Cultura e Sociedade (Mestrado – PGCULT) da Universidade Federal do Maranhão (UFMA), o diretor da TV UFMA é otimista em relação ao futuro da emissora universitária.

Em entrevista a Homem de vícios antigos, Silvano Bezerra destaca a qualidade tecnológica da emissora recém inaugurada, que pode ser assistida no canal 54 (TV aberta) ou 16 (TVN). O professor comenta ainda a programação da emissora e a parceria firmada com o projeto RicoChoro ComVida na Praça, que transformará em programas de televisão os nove saraus produzidos por Ricarte Almeida Santos, que têm início no próximo sábado (20 de agosto).

O professor Silvano Bezerra, diretor da TV UFMA. Foto: Rosana Barros
O professor Silvano Bezerra, diretor da TV UFMA. Foto: Rosana Barros

A TV UFMA tem demonstrado preocupação em valorizar a cultura do Maranhão. Você acredita que é este o caminho a ser perseguido por uma emissora universitária?
As TVs universitárias federais têm, mais que qualquer outra emissora, a preocupação de fazer com que as manifestações culturais e os valores artísticos locais estejam em suas grades de programação. As TVs das instituições federais de ensino têm muito clara a responsabilidade de se traçar um caminho diferente daquele que a TV aberta no Brasil faz, que tem sido o de ressaltar e valorizar a vida e as práticas da região Sudeste, fechando os olhos para a riqueza cultural e artística presente não só no Maranhão, mas nas demais regiões deste imenso país. Desde que surgiu a ideia de criar a TV UFMA, uma convicção se impôs: a de firmar-se como emissora diferente das demais, porque, mais que qualquer outra, ela carrega o DNA da UFMA, e por isso está comprometida, na raiz, com o saber, com a consciência crítica e com a cidadania. Razão pela qual mantemo-nos vigilantes em relação à qualidade daquilo que somos capazes de gerar em nosso espaço de produção televisiva. E qualidade significa, também e acima de tudo, que é nossa obrigação, manter vivos os vínculos com as coisas de nossa terra e de nossa gente. Gosto sempre de dizer que a TV UFMA acabou de vir ao mundo, e dentro de um espaço muito complicado para a produção televisiva como é a realidade das instituições federais. Mas sabemos também que, mesmo com as dificuldades do atual momento político e econômico do país, podemos estabelecer programação de excelente nível educativo e cultural.

No que a TV UFMA está pensando em relação aos nove saraus do Projeto RicoChoro ComVida na Praça?
Cada um dos saraus da programação do Projeto RicoChoro ComVida na Praça será transformado em programa de TV, com a finalidade de ser exibido no primeiro semestre de 2017. No total, serão nove programas. Gostaríamos de exibi-los antes, mas ainda temos algumas limitações de profissionais dentro da TV, por motivos óbvios de contenção orçamentária decorrente da crise que o país enfrenta. Além disso, vamos enviar esses programas para outras emissoras universitárias, que integram a ABTU (Associação Brasileira de Televisões Universitárias) e as TVs vinculadas à Associação da ANDIFES [Associação Nacional dos Dirigentes de Instituições Federais de Ensino Superior], e também disponibilizá-los em rede, em formato HD cheio, para a Televisión America Latina (TAL), nossa parceira na troca de conteúdos para a América Latina. Vamos, também, fazer a cobertura dos saraus, que será exibida em nossas páginas nas redes sociais.

Como foi estabelecer essa parceria, que afinal de contas, acaba sendo interna, tendo em vista que Ricarte Almeida Santos, produtor de RicoChoro ComVida na Praça, apresenta um dos mais longevos programas da Rádio Universidade FM, o Chorinhos e chorões?
Porque habitamos o mesmo espaço institucional, é bem mais fácil reconhecer as competências, as qualidades e o tipo de compromisso que os colegas que militam na área têm com a vida mediática. Conheço o trabalho de Ricarte Almeida Santos há algum tempo, e sempre destaquei, onde fui chamado a fazê-lo, o excelente trabalho que realiza na FM Universidade. Ao bom trabalho de apresentador, Ricarte ajunta o de pesquisador qualificado, o que empresta maior qualidade ao que faz como homem de comunicação. Assim que fui procurado por ele e equipe para que nos integrássemos ao Projeto RicoChoro ComVida na Praça, vi a grandeza e a qualidade da iniciativa, e, de pronto, aderimos à ideia de levar excelentes músicos e grande repertório às praças públicas de nossa cidade. Esta é uma iniciativa pioneira que merece não só o nosso apoio, como nossos aplausos.

Qual a estrutura atual da TV UFMA?
A TV UFMA foi pensada para ser uma emissora de porte médio, e isso foge ao comum das TVs universitárias, que em geral são pequenas e bem modestas em termos de recursos técnicos. Montamos uma TV digital como poucas no universo tanto das universitárias quanto das particulares. A TV UFMA tem um parque tecnológico muito bem montado, e com recursos que lhe dão excelente autonomia. Somos a única TV universitária brasileira que conta com Media Asset Manegement, recurso que só se encontra em cabeças de rede. Contamos com dois grandes estúdios, um dos quais hospeda o jornalismo da emissora, que está em fase de organização e testes; temos duas salas de corte; 18 salas de trabalho, 10 ilhas de edição, recursos para gravação de áudio profissional, grua, travelling entre outros mais. Na parte de transmissão, contamos com dois transmissores, um gerador de energia, no-break de alta capacidade e uma torre de 110 metros. E estamos nos preparando pra enfrentar o desafio da TV UFMA em Imperatriz. Inclusive já temos o canal para a localidade. Falta-nos, porém, contratar mais profissionais para atender às necessidades de produção, o que ainda é um obstáculo, por razões já referidas.

Comente um pouco da programação da TV UFMA.
A TV UFMA, como disse, acabou de nascer, mas vem produzindo programas em ritmo crescente. Hoje, conseguimos exibir cerca de cinco a seis reportagens diárias, e acham-se em exibição alguns outros, e outros encontram-se em fase de produção, como: Perfil, programa de entrevistas; Tempo Rei (interprograma); o EntreLetras, que fala de livros e produção bibliográfica; Portugal sem fronteiras, que expõe reportagens produzidas em Portugal; Bem na foto, programa que dá dicas do fazer fotográfico; 100 anos do samba (programa documental); 50 anos da UFMA; Duplo sentido (programa sobre semelhanças da língua hispânica com o português); Orquestras do Nordeste  e mais outros que estão em curso. Iniciamos, também, as transmissões do sinal da TV Cultura, a nossa cabeça de rede.

Infância roubada

Reprodução
Vestida feito adulto, criança fuma em anúncio publicado na imprensa brasileira em 1918. Reprodução

 

Por princípio, sou contra programas como The Voice Kids, Masterchef Kids e que tais. Não me venham dizer que os que por lá desfilam são fofinhos, inocentes, que cantam e/ou cozinham com a alma e blá blá blá. Nem se apressem simplesmente em me tachar mero chato, estraga-prazeres, #diferentão.

Os cantos das crianças, afinados até demais, as feições emocionadas dos jurados – certamente bastante ensaiadas – e as lágrimas de ambos, concorrentes e jurados, nada é capaz de tocar e amolecer meu coração de pedra, perdoem-me a fra(n)queza.

O que percebi, vendo alguns poucos minutos do certame musical mirim televisionado é que as crianças ali perdem sua inocência e pureza: são tão ensaiadas que chegam a opinar com desenvoltura até sobre a questão indígena brasileira. E certamente saberiam, caso instigadas, comentar política, economia, o impeachment da presidenta, o crime de lesa-humanidade cometido pela Vale/BHP Billiton/Samarco em Mariana/MG e por aí afora.

Crianças devem brincar e estudar – e nisso, consequentemente, desenvolver habilidades. Expô-las a competições e aos constrangimentos inerentes, ainda mais transmitidos simultaneamente pela tevê para outros milhões de terráqueos, é algo que não consigo conceber.

Alguns hão de argumentar que o mundo é assim mesmo e que, na seleção “natural”, quem não pisa na cabeça dos outros será engolido, tentando justificar, talvez, que, por isso, é necessário que mais e mais cedo crianças entrem no jogo – literalmente. Sinceramente, não creio. Crianças não são miniaturas de adultos, como no anúncio que abre/ilustra este post, da Revista da Semana de 19 de março de 1918, que roubei daqui.

Imaginem os danos psicológicos que uma derrota, ou mesmo um comentário mais ácido (e/ou cretino) de um jurado, pode causar em uma criança. O mundo já é por demais cruel e não precisamos antecipar o ingresso dos petizes nesta trágica realidade.

A meu ver reality shows mirins são uma forma bizarra de os pais realizarem alguma frustração: um sonho abandonado em prol de alguma questão prática é realizado num filho, seja lá por vaidade, os 15 minutos de fama, ou mesmo a sobrevivência – quanto rende, ainda que temporariamente, um talento revelado por um grande canal de tevê? Outro problema disso é que pode pintar aí uma nova frustração, desta vez redobrada.

Pai recente e de primeira viagem, preocupo-me naturalmente com os rumos que ofereceremos ao guri. Como livrá-lo da miríade de horrores propagada pela mídia convencional e/ou sob demanda, sem prendê-lo numa bolha, sem sermos extremamente superprotetores?

É claro que quero que ele experimente se arriscar a tocar um instrumento musical, praticar esportes, aprender línguas estrangeiras: ter as possibilidades. Mas não quero simplesmente impor-lhe estes anseios, como um “diferencial de mercado”. Antes, é preciso deixá-lo à vontade para escolher o quê e quando fazer, aproveitando as coleções de “vícios antigos” do pai – respeitando-lhe os tempos, escolhas e abdicações.

O que me incomoda em reality shows mirins é também o que me incomoda em reality shows adultos: muito show e pouca reality. Todo mundo ensaiadinho buscando as cifras milionárias da premiação. A vantagem dos segundos em relação aos primeiros: os participantes já estão bem grandinhos e podem decidir seus destinos por si mesmos. O que vão fazer com a grana do prêmio, eventuais contratos descolados a partir dele, se vão posar nu/a/s ou não só lhes diz respeito.

Dos males o menor em relação aos problemas que afligem nossa infância? Certamente. Num país em que crianças são assassinadas no colo da mãe, escravizadas ou exploradas sexualmente, ou sucumbem às drogas e ao crime, sua exibição musical-televisiva nem chega mesmo a ser problema.

Estes outros casos, citados aqui de raspão, constituem o verdadeiro show de realidade que infelizmente ainda persiste no Brasil. A este reality show nos negamos a assistir.

Jornalismo, música e quadrinhos

Malcolm. Capa. Reprodução
Malcolm. Capa. Reprodução

Em 1995 Malcolm McLaren (1946-2010) visitou os estúdios da MTV Brasil. Pego de surpresa, o escalado para entrevistá-lo foi Fábio Massari, o Reverendo, profundo conhecedor de cultura pop. Apenas cerca de 15 minutos da entrevista de quase uma hora foi ao ar e o material bruto (em VHS) continuava apenas no acervo pessoal do radialista – e no da emissora, ele descobriria depois, contrariando a expectativa de destruição na qual ele próprio acreditava.

Mesmo no susto, Massari cumpriu bem seu papel e certamente seria um dos poucos brasileiros a fazê-lo, como atesta André Barcinski no posfácio. Por anos, guardou também uma cópia da transcrição da conversa, recheada, e não poderia ser diferente, de citações – sobretudo de música, moda e política – do universo ao redor dos Sex Pistols, a maior invenção do entrevistado.

Quase duas décadas depois, após um desejo acalentado por anos, Massari e o quadrinista Luciano Thomé, cujo traço encarna a alma punk do protagonista, transpõem a entrevista televisiva – na íntegra – à HQ Malcolm [Edições Ideal, Coleção Mondo Massari, 2014, 64 p.; leia um trecho]. O resultado é tão bom que parece que a conversa foi originalmente pensada para o formato.

O papo orbita em grande parte em torno do grupo de John Lydon e companhia, mas é um passeio pela indústria cultural, em companhia de quem sempre tirou um sarro por dentro. McLaren afirma, por exemplo, que os Sex Pistols nasceram como manequins: mais importava vestirem o que era conveniente ao empresário que que soubessem tocar (bem) algum instrumento. “Em 1977 criamos um movimento em que tudo era possível e não era necessário saber tocar guitarra”, diz. Quer atitude mais punk que isso?

A intimidade de Massari com o universo também aponta para as influências de MC5, Iggy & The Stooges e New York Dolls, e o legado deixado pelo grupo, que influenciou grupos como The Damned, Buzzcocks “e muitas outras bandas”. Sobram críticas à cultura americana – minimizada a “rock’n’roll, Levi’s, Coca-Cola e Marylin Monroe” –, à própria MTV – “se você ouve música, você é menos controlado por ela. Se você assiste na TV, você está mais propenso a ser controlado por ela e ela se torna uma… uma droga que o transforma num zumbi” – e a artistas que McLaren não aprecia – “o importante é ter algo a dizer em vez de botar todo mundo para dormir com música insossa, do tipo Mariah Carey”.

Para o inglês Malcolm McLaren não havia lugar para gênios nos Estados Unidos: “os gênios transformam a vida e os EUA não querem mudanças. Vivem um momento conservador”.

Malcolm, a HQ, é um belo tributo ao legado de seu protagonista, em geral amado e odiado ao mesmo tempo e na mesma intensidade, um dos personagens mais interessantes e controversos da música em todos os tempos.

Ilumiara e Mirante

O bom público que prestigiou o Ilumiara contradiz Douglas Pinto. Foto: fb/ilumiara
O bom público que prestigiou o Ilumiara contradiz Douglas Pinto. Foto: fb/ilumiara

 

Talvez o músico Leandro César (violão, marimba e voz), integrante do grupo mineiro Ilumiara, tenha queimado etapas. Dos problemas, o menor. Explico: sábado passado (12), no Teatro Alcione Nazareth (Centro de Criatividade Odylo Costa, filho, Praia Grande), foi combinado, entre a assessoria do Sesc e a TV Mirante, uma passagem, ao vivo, para um jornal da emissora, durante o concerto do grupo, pelo circuito Sonora Brasil.

O problema é que após o ao vivo, a equipe da TV Mirante continuou no recinto, entrevistando pessoas na plateia, com a luz forte e amarela ligada. Seis músicas depois – de acordo com a contabilidade do músico – eles continuavam lá. Leandro César desceu do palco, reclamou, e pediu que a equipe se retirasse. Quando falo em queimar etapas quero dizer que poderia ter, antes, solicitado a retirada da equipe à assessoria do Sesc e, em seguida, caso não fosse atendido, pedir, do palco mesmo, talvez ameaçar interromper o concerto – não sei se o fez.

Voltou ao palco aplaudido pelos presentes, entre afirmações como “é esta mesma Rede Globo que entra na casa das pessoas e destrói nossas culturas, destrói isto que estamos mostrando aqui”.

Douglas Pinto se retirou e, do hall, pude ouvir: “eu vou é falar mal!” em tom alterado – não consegui identificar se a voz era sua, mas a fala não faria sentido noutra boca. Depois o repórter publicou algo no facebook, com repercussão no blogue de Gilberto Lima ainda na mesma noite do espetáculo. Além de reclamar de uma suposta “humilhação” – particularmente não entendo assim – o repórter destilou preconceito, tratando os membros do Ilumiara por “anônimos”, “antiprofissionais” e “grosseiro” – o último adjetivo destinado a Leandro César.

O repórter foi além e afirmou que “muitos artistas de fora quando chegam aqui acham que o Maranhão é o fim do mundo e podem fazer o que bem querem por aqui”. Como diz minha sábia avó, “o bom julgador, por si julga os outros”, e Douglas Pinto acaba por traduzir o que, por vezes, é o comportamento de alguns colegas de profissão, que às vezes acham-se mais importantes que os próprios artistas. Além do mais, não cabe ao Sistema Mirante nem a qualquer funcionário seu recomendar “que o Sesc escolha melhor os artistas que venham se apresentar no Maranhão”, como fez o profissional, em episódio lamentável.

Por um lado, compreendo a ânsia do repórter, de resto um bom profissional, em fazer seu trabalho: os patrões certamente não aceitariam justificativa de ele voltar ao estúdio “apenas” com o ao vivo na bagagem, apesar de, certamente, sempre exigirem pressa, na cobertura do máximo de pautas, o já conhecido esquema industrial de um jornalismo a cada dia mais robotizado. Por outro, a necessidade dos músicos, de um ambiente propício ao ofício, sobretudo nos moldes do Sonora Brasil, em cujas apresentações é dispensado o uso de qualquer tipo de amplificação.

Espero que o acontecido não vá resultar num boicote da/s emissora/s e seus profissionais ao projeto e/ou ao Sesc, que, apesar de enormes e conhecidas limitações, tem proporcionado momentos importantes de fruição e circulação cultural à população maranhense.

Estava na plateia e não me considero motivo de vergonha para ninguém – como também afirmou o repórter em seu “desabafo” na rede social. E na condição de parte do público, fiz questão de dizer algo sobre o episódio (ainda que tardiamente), na tentativa de ajudar, a quem interessar possa, a entender o que de fato aconteceu, tendo em vista, por exemplo, o Ilumiara e/ou o Sesc/MA não terem ainda se manifestado – talvez por acharem desnecessário e talvez tenham razão: o brilho do espetáculo não pode ser ofuscado por este desagradável incidente.

Em tempo: a quem interessar possa, os concertos do Sonora Brasil seguem, em São Luís e Caxias. Veja a programação completa – inclusive com as apresentações dos demais grupos que compõem a edição deste ano – ao fim do post em que anunciei a apresentação do grupo na capital maranhense – hoje (14) eles tocam em Teresina/PI e quarta-feira (16) em Caxias.

Que o Ilumiara volte sempre ao Maranhão e seja sempre bem recebido por aqui!

Boicotem quem boicota O Boticário!

 

Há quem pague caro e use tênis com o nome da coca-cola. Outros pagam centenas de reais em camisas oficiais do Flamengo, Barcelona ou Seleção Brasileira, para fazer propagandas de marcas de produtos de toda a sorte. Cada um/a, cada um/a, tou fora!

Em Eu, etiqueta, poema de Carlos Drummond de Andrade que li em alguma gramática do ensino fundamental, o poeta mineiro já se queixava do excesso de logomarcas a que estávamos submetidos. E era apenas o século XX.

Com um comercial exibido na tevê aberta, O Boticário causou a ira de homofóbicos e reacionários em geral. Os que defendem a cura gay e a família tradicional (seja lá o que isso for), que ainda falam em homossexualismo em vez de homossexualidade, mesmo a OMS já tendo, há tempos, retirado o primeiro de sua lista de doenças mentais.

O Boticário mostra algo real e os habitantes da babacolândia falam que “não têm preconceito”, “que têm amigos gays” e toda sorte de baboseiras típicas da intolerância. O pastor Silas Malafaia convocou boicote à empresa de cosméticos, à guisa de “pertencer a uma maioria” e de “preservar macho e fêmea”. Segundo o zoófilo, ops, evangélico, a campanha “é uma tentativa de querer ensinar crianças e jovens o homossexualismo” (sic), conforme notícia do Portal Terra.

As casas legislativas brasileiras estão dominadas por hordas de fundamentalistas. Nunca os vi criticar, por exemplo, a publicidade voltada ao público infantil, como forma de preservar nossas crianças. Certamente o lobby de seus financiadores de campanha pesa mais na hora de decidir a que pauta se apegar.

Em vez de se juntar a quem prega o ódio, este blogue lança a campanha que intitula este post: boicotem quem boicota O Boticário!

É fácil pregar o ódio em nome de Jesus. Difícil é amar o próximo, como o mesmo Cristo ensinou. Ainda mais se esse próximo não for tão próximo assim. Se for diferente então, o próximo está condenado.

Não escrevo para fazer propaganda do Boticário, afinal de contas, não sou pago para isso e, em grande medida, o dia dos namorados é mais uma data caça-níquel no calendário do consumo. Aos preconceituosos de plantão, recomendo outros poetas: “qualquer maneira de amor vale a pena”, “ame, seja como for”, desde que o amor esteja cheirosinho, usando Boticário ou outra marca qualquer – vale até o bom e velho sabão de andiroba, comprado a quilo na quitanda mais próxima. Como diria Márcio Greick, “o mais importante é o verdadeiro amor”.

*

Abre o post a antológica, sempre rodando em um k7 imaginário, best of particular, Largo do boticário, linda canção sobre linda paisagem carioca, de Milton Carlos, saudoso irmão de Isolda, ambos fornecedores de pérolas para o repertório de Roberto Carlos.

Com programa fraco, Globo quer continuar ditando moda no mundo da música pop(ular)

A bancada do Superstar. Foto: João Miguel Jr./ Rede Globo/ Divulgação

A TV Globo estreou ontem (6) mais um programa caça-talentos. Apresentado por Fernanda Lima – que não convenceu –, Superstar oferece à banda vencedora um prêmio que inclui um carro exclusivo, 500 mil reais em dinheiro e um contrato com a gravadora Som Livre, que lança gente como Roberto Carlos e as trilhas das novelas da emissora.

Exibido após o Fantástico, o programa é parecido com o recém-exibido The Voice, por que não basta copiar, tem que manter os nomes estrangeiros. Dá até pra dizer que este Superstar é um The Voice de bandas. Na bancada, os futuros padrinhos das bandas classificadas, Ivete Sangalo, Fábio Jr. e Dinho Ouro Preto, além do público, através de um aplicativo, ajudam a definir quem passa às próximas fases.

O do meio, ao menos na estreia do programa, era o mais equilibrado. A baiana era a “deslumbrada”, dançando e vibrando e apertando rapidamente o sim azul a qualquer coisa que aparecesse; o Capital Inicial, sempre iniciando suas frases com um ridículo “velho”, apertava o não vermelho a qualquer coisa que destoasse de algo mais próximo do rock, uma espécie de preconceito de gênero – musical.

Bandas diversas, de estilos idem, se apresentaram ontem, entre repertório autoral e covers. Nada fora do comum, nada digno de nota, eu diria. Podem até me pedir a paciência que eu finjo ter, que era o primeiro programa e blá blá blá. Não creio. Não acredito no formato. Dali pode até sair a nova sensação das paradas de sucesso, a nova febre musical do momento, mas nunca um Roberto Carlos, para citarmos novamente um eterno campeão de vendas. Talvez a emissora atinja seu objetivo: dá a uns desconhecidos a chance de gravar um disco com grande tiragem, alguma fama e a volta ao ostracismo. Difícil fugir deste esquema, não se iludam. Ou talvez eu seja ranzinza demais, vontade (ou esperança) de ver algo diferente e inteligente na tevê aberta (é possível!).

Uma coisa, a meu ver, ficou provada: o público que assistiu ao programa ontem é bem mais criterioso que o trio de sua bancada.

Documentário conta a história do Suvaco de Cristo

Domingo (9) no Curta! revi, por acaso, 20 anos de Suvaco (com U mesmo!), documentário que conta a história do bloco carnavalesco carioca Suvaco de Cristo. O filme entrevista diversos personagens que fizeram a história da irreverente agremiação, entre ritmistas, diretores, puxadores, foliões e compositores. Estes últimos merecem destaque. Integraram sua ala nomes como Bráulio Tavares, Chacal, Jards Macalé e Lenine – este quarteto fantástico ajuda a contar a história –, entre outros.

Os sambas tinham irreverência, bom humor, deboche, escracho, fazendo alusão ao Cristo Redentor (Divinas axilas deve ser a música com mais autores – são 20 – registrada por estas plagas) e/ou com um pé na história, sempre falando sobre algo em voga no período. Assim são lembrados sambas sobre a Constituição Federal de 1988 (“o bigodão cagou na Constituição”), latas de maconha que chegaram em latas à orla após serem jogadas no mar por uma tripulação, a cassação do presidente Fernando Collor, a ECO 92 (“ECO no ar/ de norte a sul”, com cacófato proposital) e até mesmo as confusões com a cúria carioca: integrantes do Suvaco de Cristo chegaram a ser presos pela polícia militar, acionada pela igreja católica, que achava ofensivo o nome da agremiação.

O filme é de 2006, quando o Suvaco completou 20 anos. Um bloco que começou com 20 ou 30 amigos chegou ao pico de arrastar 50 mil às ruas do Rio de Janeiro, o que levou a diversas dissidências também apontadas no documentário. 20 anos de Suvaco revisa um importante capítulo do carnaval e da cultura brasileiros.

Muvuca em São Luís

Não tenho curtido a fase mais recente (nem tão recente assim) da Regina Casé, mas o programa abaixo, ao qual cheguei via Tairo Lisboa, vale a pena, se não por mais nada, por ter levado ao Brasil (e espero que para levar novamente, agora) gente como Patativa (o violonista Luiz Jr. está cuidando de num futuro próximo essa história da diva madredivina não ter disco gravado caducar), a saudosa Dona Teté do Cacuriá (“tem que ter sacanagem pra ficar bonito”) e a poetutóia Dona Elza do Caraço.

Outras figuras conhecidas aparecem, como o violonista Abreu e o percussionista Erivaldo Gomes, ambos na roda que forma-se ao redor de Patativa, e Toinho do Piaçaba. Infelizmente não consegui descobrir de quando é o vídeo, mas já faz algum tempo: a carteira de cigarro custava R$ 1,25. O programa foi ao ar em 1999.

Chorografia do Maranhão: João Pedro Borges

[O Imparcial, 14 de abril de 2013; aos poucos mas fieis leitores do blogue um bonus track: a versão abaixo traz algumas perguntas e respostas que ficaram de fora da edição do jornal, embora isso ainda esteja longe de ser a íntegra da deliciosa conversa que Ricarte Almeida Santos e este que vos perturba tivemos, fotografados por Rivânio Almeida Santos, com o mestre João Pedro Borges, um papo longo em uma noite de segunda-feira; o violonista fala como professor que é, fazendo questão de deixar tudo bastante explicado para que não restem dúvidas aos alunos; orgulho de ter aprendido essa lição.

Este post é dedicado a Maria Pepê, cunhada de Sinhô]

Quarto entrevistado da série, João Pedro Borges é um dos mais importantes nomes do violão, do choro e da música brasileiros. Seu talento é reconhecido internacionalmente

TEXTO: RICARTE ALMEIDA SANTOS E ZEMA RIBEIRO
FOTOS: RIVÂNIO ALMEIDA SANTOS

João Pedro da Silva Borges nasceu em uma vacaria, espécie de pequena fazenda, onde hoje fica o edifício Clara Nunes, “olha que grata coincidência”, no Apicum, região central da capital maranhense, em 23 de junho de 1947. O apelido Sinhô ganhou da avó: “Minha avó, mãe do meu pai, eu nascendo numa fazendinha, nasceu o Sinhozinho, nossa herança coronelesca. Era o Sinhô, Sinhozinho. Aí pronto, pra distinguir dos outros irmãos, que eram muitos [onze], era Sinhô e acabou-se”.

Filho de Raimundo Felipe Borges e Marina Silva Borges; a mãe, professora normalista, o pai, técnico em eletrônica, especialista em rádio e televisão, um empreendedor que chegou a ter gráfica, trabalhava com o avô na Livraria Borges, de propriedade da família, a maior da São Luís da época, quando o menino João Pedro nasceu.

Ele é um dos maiores violonistas brasileiros em todos os tempos e participou de um capítulo fundamental para a renovação do choro no Brasil: a Camerata Carioca do gaúcho Radamés Gnattali, com que o maranhense chegou a gravar discos e fazer diversas apresentações Brasil afora. Seu talento é hoje reconhecido internacionalmente e o disco mais recente, Clássicos Latino-Americanos, foi gravado em 2005, em uma igreja na França.

Wilson Marques concluiu recentemente um perfil seu para uma coleção que pretende publicar em breve. Para a construção do livro, entrevistou o próprio João Pedro Borges além de figuras próximas, como Chico Saldanha, Arlete Nogueira da Cruz e Sérgio Habibe, entre outros. “É ele contando a história dele, não é uma minuciosa biografia, mas sobretudo um registro de sua trajetória e da importância do trabalho dele para a música brasileira”, adiantou o jornalista.

João Pedro Borges conversou com O Imparcial/ Chorografia do Maranhão no Chico Discos, acompanhado, na decoração do ambiente, de diversas personalidades da música: algumas delas ele chegou a conhecer pessoalmente e são citadas por ele ao longo da conversa.

Quando foi que tu percebeste que teu negócio era a música? Eu sempre tive certos indícios de sensibilidade. Por exemplo, eu ganhei, por ocasião de um natal, um violãozinho de plástico, e aquilo era o brinquedo que mais me encantava. Então eu simulava cantar com aquilo, com o passar do tempo eu buscava alguma forma de afinação. Lembro que na minha infância passava um deficiente visual numa carroça puxada por um burro, conduzida por um ajudante que provavelmente era filho dele, e tinha a peculiaridade de que este senhor  tocava cavaquinho. Então, eu guardava dinheiro pra ter o que levar pra ele, por que quando a gente chegava, ele dizia “a pedido é mais caro”. Lembro que quando ganhei esse pequeno violão eu queria imitar um pouco o homem cego que passava lá na minha rua, quase que todos os dias. Mas só mais tarde [consegui], meu padrinho José Silva foi meu primeiro professor de violão. Ele fazia parte da velha guarda das pessoas que lidavam com o choro. Foi ele o meu vínculo com o choro, era violonista, compositor. Ele era irmão adotivo, por afinidade, do famoso professor Custodinho, Custódio Zaqueu Coelho, que eu considero o grande violonista do Maranhão, anterior a[o violonista] Turíbio [Santos], por exemplo, como geração. Era um violonista extraordinário. Cheguei a ter aulas com ele.

A tua escolha por ser músico contou com o apoio da família? De uma parte da família, que me incentivou. Tinham muitos saraus na minha casa. Sistematicamente tinham reuniões de violonistas, de músicos na minha casa, onde o repertório era basicamente choro de violão. Esse meu padrinho era um pintor de paredes, mas era um homem autodidata, de uma intelectualidade muito grande, tinha um conhecimento extraordinário. Ele foi a primeira pessoa que me falou da cultura musical brasileira. Os personagens que ele citava para mim eram Pixinguinha, Ernesto Nazareth, falou de Agustín Barrios quando passou aqui, ele era amigo do pai de Turíbio, que era seresteiro, e frequentava um pouco esse grupo, que a gente chamava os velhos, na época. Nessas reuniões meu padrinho notou meu interesse em ficar ouvindo aquilo. Aí ele perguntou se eu não queria tocar violão e eu disse “quero!” Ele disse “então eu vou te ensinar”, e me ensinou um choro. Eu não comecei por acordes, fazendo assim, ele botou a minha mão e me ensinou um choro chamado Mariazinha [toca trechos ao violão, não sabe dizer a autoria]. Esse choro tem uma peculiaridade formal [fala enquanto continua tocando]: é que ele tem três partes, todas no mesmo tema, ele é uma síntese da forma do choro.

O choro, durante muito tempo, os músicos tocavam por diletantismo. Tinham geralmente outra profissão e tocavam choro nas horas vagas para se divertir e às vezes, como desenvolviam muita capacidade, habilidades, acabam se tornando músicos conhecidos, consagrados, mas não eram profissionais da música. Você é um profissional da música, vive de música, sempre viveu de música?Isso faz diferença? Sim. Faz diferença. Quer dizer, em termos. Se a gente levar em consideração que Jacob do Bandolim era escrivão, César Faria trabalhava numa repartição, há que se levar em consideração aí que há um impulso por detrás desse aparente amadorismo. Quer dizer, eles tinham profissões que lhes davam sustentação, mas grande parte da atividade deles era exercida em torno do choro. A diferença é a seguinte: uma carreira de concertos não é uma carreira convencional, é algo que vive de oportunidades que se inventam, que são criadas. Por exemplo, os concursos de violão são uma forma de atrair a atenção para jovens, têm limite de idade. Eu fui por outro caminho alternativo, me beneficiei da companhia dos meus professores. Depois de um ano que eu estudava com Jodacil Damasceno, ele me tornou assistente dele, eu tive como alunos Dori Caymmi, Guinga, Marlui Miranda, Durval Ferreira, Miltinho do MPB-4. Depois Turíbio me convidou para montar um curso no Rio de Janeiro.

Eu queria que tu contasse um pouco de tua participação em uma banda cover dos Beatles. Tinha a vizinhança próxima com os Saldanha, na Rua de São Pantaleão, Ubiratan Sousa, que gostava muito de choro, foi quem me falou pela primeira vez da bossa nova, me mostrou uns acordes e aprendia comigo a linguagem do choro, aquelas baixarias, que eu era especializado por conta de meu padrinho, que era craque na área. Nessa época surge a televisão por aqui e os irmãos Saldanha, principalmente o mais novo, Nena, falavam bem inglês. E surgiu essa coisa da televisão e todo mundo encantado com a música dos Beatles. Então eles fizeram um conjunto em que eu era apenas o acompanhador. Eu não aparecia no vídeo, e ficava com um violão de cordas de aço poderoso que eu tinha, que parecia uma guitarra, e acompanhava só com esse violão todo mundo. Era Francisco Saldanha, Nena, o Antonio Saldanha, Benedito, que eu não lembro o sobrenome, estudava também no Liceu, Chico Linhares, o Francisco Linhares, que também morava na Rua de São Pantaleão, Edson, também não me lembro o sobrenome e eu acompanhando. Mudou essa formação. Entra Ubiratan nesse conjunto, que muda de nome, de The Five Gems para Os Rebeldes, e ficamos vinculados à televisão, inicialmente através dos programas de Reinaldo Faray. Tava começando a Difusora.

Depois tu ajudaste a fundar a Escola de Música do Estado, que surge no momento em que uma nova geração de artistas começava a produzir com base nas linguagens da cultura popular. E eles tinham a esperança de que a Escola de Música pudesse ser a continuidade de um processo de absorção dessas linguagens, numa escola de identidade mais maranhense? Tinha esse desejo? Como é que era isso na época? A responsável intelectual por todo esse movimento é [a poeta e ex-secretária de Estado da Cultura] Arlete Machado. Foi ela quem concebeu e encomendou o plano da Escola de Música. O que aconteceu foi o seguinte: os primeiros professores, quer dizer, eu vim em 1974, da África, diretamente para cá para São Luís do Maranhão. Criou-se essa escola de música, a primeira diretora é nossa melhor pianista de todos os tempos, Maria José Cassas Gomes, e o resto eram professores que vieram de fora. Era Clemens Hilbert, um alemão que dava cursos de extensão nos seminários de música da ProArte, lá por Teresópolis. Tinha outro professor chamado João Solano, que era um pianista que também estudava relações internacionais, queria ser diplomata. Veio daqui do Ceará um pianista chamado Flávio, não me lembro agora também do sobrenome dele, mas um excelente músico, pianista, e Gilles Lacroix, que chegou a dar aula de música, de teoria musical, tempo em que ele estava se decidindo a largar a batina. Nesse contexto a Escola de Música foi organizada, ali no Apeadouro, e os primeiros candidatos que surgiram, por exemplo, [o compositor] Sérgio Habibe, que trabalhou também um tempo como funcionário lá da escola. Então surgiu [o compositor Giordano] Mochel, Zé Martins, Josias [Sobrinho] e [o compositor] Cesar Teixeira, sempre a gente tendo aquele cuidado de que eu não queria descaracterizar o trabalho deles, mas eles estavam em busca de formação. Eu tinha um discurso de fundamentação. Dizia “até para você fazer bem essas coisas nossas, você precisa de recursos, de técnica”. Sérgio Habibe é um caso flagrante de ter mudado o nível de composição a partir do estudo, ele próprio reconhece isso. Josias Sobrinho foi o meu melhor aluno de harmonia, eu dei um curso pra ele de harmonia aplicada ao violão. Eram alunos dedicados. Eu forneci uma espécie de subsídio pra eles, mas sempre com a recomendação, dizendo “olha, vocês não têm que estudar pra serem músicos eruditos, nem nada, é pra melhorar o que vocês estão querendo fazer”. Naturalmente da parte deles devia haver certas expectativas políticas, por que o movimento pra eles não era só artístico. Pra mim era um movimento artístico, pra eles era político.

Lá no Rio você teve uma convivência com uma nova geração de chorões, com gente da antiga, e você vivenciou o momento de renovação do choro, ali da virada dos anos 70 para os anos 80, convivendo ali com nomes como Paulinho da Viola, com a Luciana [Rabello], com a turma dOs Carioquinhas, Radamés [Gnattali]. Conte um pouco dessa história. Eu passei a ser habitué de todos os saraus que o Jodacil participava. Tinha um amigo nosso chamado Tonzinho, que na realidade é Milton Borges, eu chamava até ele de parente, morava em Niterói, tinha sido amigo pessoal de Jacob, de Six e de Jonas, e através das idas de Six ao Rio de Janeiro nós fomos parar um dia na casa desse Tonzinho e lá ele reunia Abel Ferreira, Copinha, Arthur Moreira Lima passou por ali, Paulinho da Viola, tudo o que era do choro, Ronaldo do Bandolim com os irmãos. O Raphael Rabello, que eu conheci tocando junto com Turíbio, tinha 12 anos, travou logo amizade comigo, tocava, tinha uma formação bem consolidada de música e ele tinha o que eu gostava, tudo em quanto dizia respeito ao choro tava consolidado na cabeça dele, não tinha que aprender nada. Ele era herdeiro de toda a tradição do Dino [Sete Cordas] e do Meira [Jaime Florence], que foi o grande professor dele, professor do Baden [Powell]. O Raphael, um dia assim, disse “olhe, aniversário da Nara Leão, nós vamos lá na casa dela, e eu queria te levar por que eu tenho uma pessoa que eu quero te apresentar”. Aí me apresentou pro Joel [Nascimento], estávamos tocando, quando ele me viu tocar, disse “olha, nós estamos iniciando um trabalho”, não existia esse nome, Camerata [Carioca], isso veio depois, “de tocar uma suíte que o Radamés tá transcrevendo”, acho que nem todos os movimentos ainda estavam transcritos, só tavam os primeiros, “você não gostaria de participar?”, e eu “gostaria”. Marquei um ensaio com eles, acho que na minha casa, e me encantei com o trabalho, aí começamos a montar a Suíte Retratos. A partir dessa nova abordagem com o choro, os saraus começaram a mudar de feição, num determinado momento eles abriam espaço, “vamos ouvir a rapaziada”, e ficavam encantados com aquilo. E aí esse trabalho começou a chamar a atenção, por que a gente começou a montar um espetáculo chamado Tributo a Jacob do Bandolim, foi considerado o melhor espetáculo de 79 no Rio de Janeiro.

Tu tens uma vasta discografia, tocando, integrando a Camerata Carioca, fazendo Valsas e Choros [1979] e Choros do Brasil [1977]… [interrompendo] Com Turíbio eu tenho três discos. Choros do Brasil foi o primeiro, Valsas e Choros, depois tem o Violão Brasil [1980], que a gente fez para um projeto, por que nessa época, disco instrumental dependia também muito desses projetos que eram feitos pra dar brindes de empresas. Por exemplo, eu gravei a obra de Paulinho da Viola [A obra para violão de Paulinho da Viola, 1985], não quisemos nem eu nem Paulinho editar comercialmente, por que sabíamos que os acordos não iam ser bons, apesar de que eu tinha muita consideração com a [gravadora] Kuarup, Mário de Aratanha [idealizador e proprietário da gravadora] praticamente me lançou como produtor, eu ganhei cinco prêmios Sharp como produtor de discos, e editor, fazia aqueles acabamentos todos, tem discos nossos inclusive que ganharam também prêmio na Europa, foram lançados lá pelo Chant du Monde, gravadora que substituiu a Erato francesa. Eu fiz o meu primeiro disco de forma independente em 1977. Logo depois daquela ideia lançada pelo Antonio Adolfo, do disco independente, alguns músicos eruditos descobriram que podiam fazer aquilo. E Jodacil me disse “por quê que tu não faz um disco?” Aí eu decidi fazer também um disco, isso em 1977, concomitante com a ideia do Choros do Brasil, com Turíbio, eu fiz esse disco, sozinho, gravei no estúdio do Museu da Imagem e do Som. O segundo disco [João Pedro Borges Interpreta, 1983] já foi proposta da Kuarup, como eu fiz muitos trabalhos com a Kuarup, Mário disse “olha, a gente tava querendo fazer um disco teu”. Foi um disco dedicado a violonistas espanhóis e clássicos. Depois deste, A obra para violão de Paulinho da Viola, o quarto que eu fiz já foi na França [Clássicos Latino-americanos, 2005]. Eu também nunca me entusiasmei muito com a indústria do disco especificamente, por que eu era muito criterioso, a gente tinha aquele medo de ser explorado, mesmo tendo a compreensão de que um disco não era uma forma de ganhar dinheiro, era uma forma de divulgar o trabalho.

Era o que eu ia perguntar: tem disco com a Camerata, com Paulinho da Viola, com Turíbio, tem disco em que tocas só em uma faixa, casos de Mistura e Manda [de Paulo Moura, 1983] e Shopping Brazil [de Cesar Teixeira, 2004], para citar apenas alguns. O que tu consideraria, ou por razões afetivas ou por razões de importância pra música do Brasil, uma discografia básica de João Pedro Borges? Pro pessoal ir atrás, baixar na internet. Tributo a Jacob do Bandolim [da Camerata Carioca, 1979], sem a menor sombra de dúvida. Por que na realidade eu era um mero componente, eu digo que fui testemunha privilegiada. O Hermínio Bello de Carvalho tinha a seguinte definição: “olha, essa Camerata vai dar certo por que tem o grande arranjador e compositor, tem o grande intérprete e tem o grande ensaiador”, por que eu tinha uma técnica de ensaio que nem Turíbio tem essa técnica, era tudo muito bem organizado, até Radamés eu enquadrava. O [jornalista] Aramis Millarch uma vez, num ensaio, eu discutindo com Radamés, mas discutindo assim numa boa, a gente tinha uma amizade muito grande, mas eu sabia o limite dele, já pela idade, ia até certo ponto, por que ele já queria sair para tomar chopp, comer alguma coisa, ele não tinha muita paciência de ficar ensaiando, como Turíbio também nunca teve, mas o resto do pessoal precisava de ensaio. Aí Radamés dizia “não, agora já tá bom”, e eu dizia, “não senhor, ainda não está bom, ainda tem uma partezinha que nós vamos limpar aqui”. Aí terminava o ensaio e eu dizia, “e aí, Radamés?”, “é, é, ficou melhor”, aí ele dava o braço a torcer.

Soubemos que você anda compondo. Eu fiz arranjos na época, na própria época do Valsas e Choros os arranjos eram assim coletivos, mas sempre prevalecia uma base. Como Turíbio tinha muita confiança em mim, sabia que eu tinha formação, lia música melhor do que todos os outros, eu dava muita colaboração nesse sentido dos nossos discos, assim a parte mais erudita. Agora a parte mais tradicional, mais dentro da linguagem do choro, imagine, com Jonas e Raphael, não dá nem… pelo contrário! Foi uma escola, foram meus mestres, o que aprendi com eles não tá no gibi. Aqui, depois que eu voltei à São Luís do Maranhão, minha amizade com [os poetas José] Chagas e Nauro [Machado], e as reuniões periódicas pra ouvir música, com Arlete [Nogueira da Cruz Machado, poeta, esposa de Nauro], o Chagas começou a me passar umas poesias dele não editadas. Me deu vários cadernos. E olhei aquilo, eu digo “rapaz, isso dá música!”.

Isso é recente? Mais recente, eu sempre tive minha ideia de compor, compor choro, compor valsa, sempre toquei valsas e choros que eu mesmo compus. Tem coisas que eu nem escrevi, que foi embora, Turíbio até brigava comigo por conta disso. Aí comecei a escrever essas canções de Chagas, musiquei dez poesias de Chagas, uma de Nauro e descobri mais recentemente, desse povo novo, que existe por aí, fora dessa geração, pra mim, na minha opinião, a melhor poeta que a gente tem chama-se Aurora da Graça Almeida. Ela me deu um livro, eu preciso dar esse livro pra vocês lerem. Ela me deu um livro e eu descobri coisas assim maravilhosas. Deixa ver se me lembro, sem compromisso [começa a dedilhar o violão]. Chama-se Mágoa. Um homem prevenido vale mais do que dois desprevenidos [abre o case e tira uma folha de papel em que o poema está anotado]. Olha a letra, diz assim [recitando]: “meu coração sem cor e sangue/ maldiz a mágoa renascida do tempo estilhaçado que vivi/ meu coração sem cor e sangue/ esconde a selva oculta do perdão/ esconde as palavras mais belas e fugazes que não disse/ no meu coração de veias seculares/ padece a solidão de antigamente/ maltrata-me a vida retalhada/ maltrata-me não ser o que eu queria/ maltrata-me deixar sem poesia/ os que previram minha dor, minha agonia/ meu coração sem cor e sangue/ repleto de veios de fervor/ resgata a duras penas o sentido/ de ser ao menos navegante nessa vida” [canta, acompanhando-se ao violão; ao final recebe aplausos dos chororrepórteres].

Ficou clara tua percepção sobre o cenário no Brasil, tanto no Rio como em Brasília, que são os dois focos. No Maranhão como é que tu observa a cena choro? Quais os fatos mais importantes, recentes? O choro tá presente desde o século XIX, a própria pesquisa que Maurício [Carrilho] e Luciana fizeram no acervo João Mohana, se identifica, desde quando nasceu no Rio, já existia choro aqui. Mas hoje, o cenário, pra onde aponta? O quê que tá faltando? Olha, o que acontece é o seguinte: eu digo que tem coisas que as brasas podem passar muito tempo só fumegando de leve mas não apaga completamente. Aqui sempre houve esse potencial, que fez surgir os primeiros conjuntos, tipo [o Regional] Tira-Teima, Rabo de Vaca, já com o advento da Escola de Música já surge a ideia do [Instrumental] Pixinguinha, todo mundo sempre com uma estética voltada inicialmente para a inovação. Aqui no Maranhão surgiu a ideia do Clube do Choro, todo mundo aqui foi testemunha do grande impacto que isso causou na sociedade. Eu vejo esse cenário que o choro se diversificou, atraiu o povo da nova geração, a gente vê agora o movimento Madre Deus, o movimento do Clube do Choro. Pra mim o grande impulso foi lá o Chico Canhoto, com o Clube do Choro Recebe, por causa da concepção inteligente, de compreender que o choro é mais do que ele aparenta ser, ele está presente nas coisas todas, está presente na música de Tom Jobim, Caetano Veloso fez choro, Chico Buarque faz choro, Cesar Teixeira. Então essa junção, primeiro da música instrumental com a música cantada, pra quebrar os preconceitos, e segundo, com o componente da música maranhense, foi a boa fórmula. Nós estamos vivendo ainda dos dividendos desse investimento, na minha opinião. Eu acho que está faltando o aspecto didático, ou melhor dizendo, pedagógico da coisa. O choro tem uma vertente de entretenimento, que ele agrada todo mundo, todo mundo vai, tem público sempre, quando a coisa é bem organizada, tem espaço; segundo, isso só não garante a subsistência do choro, os movimentos vão e vêm, as casas comerciais, os estabelecimentos, tem época que é moda aqui, tem época que é moda ali, tem muita oferta na cidade. Por isso que até hoje eu lamento que a ideia da casa lá [uma sede própria] do Clube do Choro não tenha dado certo, por que tinha um projeto social relevante envolvido.

Dessa nova geração tem alguém dos instrumentistas do choro que te enche os olhos, que tu vê como uma boa promessa? Tem. Robertinho [Chinês] eu acho que é um grande talento. Aliás, antes dele se projetar no choro, o pai dele me procurou na época da formação da Escola de Música do Município, quando a gente ainda tava dando aula lá naqueles camarins da [praça] Maria Aragão e o pai dele me procurou, são dois filhos, nem sei o que é feito do irmão. O que eu passei pra ele, na época, foi o seguinte: “olha, você tem que investir em formação. Teus filhos têm talento, mas eles têm que investir na formação, por que o que garante o desenvolvimento do talento, a formação é o adubo do talento, sem formação, sem você correr atrás do fundamento, se fundamentar, desenvolver”. Essa juventude, por exemplo, eles têm uma facilidade técnica pra tocar, mas isso só não garante. Eu vi muito menino prodígio que abandonou a profissão. Por que tem toda uma estruturação que é psicológica, por que na realidade você tá lidando com a própria vida. Às vezes ele pode se desenvolver no instrumento, absorver bem a coisa do choro e ser mais um chorão na cidade, muito bom. Mas é só isso?

Na tua entrevista diversas vezes tu citaste Turíbio. Na tua opinião, quem é Turíbio Santos? Turíbio Santos é o mais importante violonista brasileiro. Pra mim ele é uma espécie também de matriz fundadora. E é facílimo de explicar. Foi o primeiro violonista brasileiro que se destacou internacionalmente, o primeiro que ganhou um concurso que chamou a atenção pra profissão. Se Ronaldinho Gaúcho botou uma porção de meninos pra jogar futebol e querer ser Ronaldinho, Turíbio fez isso com o violão. A importância dele foi pelo seguinte: ele deu o exemplo, ganhou o concurso e projetou uma carreira internacional de respeito; segundo, foi o violonista brasileiro dessa geração mais generoso, montou curso de violão, criou movimentos sociais como ele fez lá com os Villa-Lobinhos, atraindo banqueiros para bancar a carreira de gente, tem gente que tirou a mãe do tráfico, da marginalidade, alugou apartamento, tá vivendo da profissão, toca na noite, estudaram lá graças a ele. O que pode se acrescentar à dimensão de um bom instrumentista é a dimensão social, o que ele faz em benefício dos semelhantes dele. Turíbio criou os dois cursos superiores, tanto na UFRJ como na UniRio. Foi o primeiro camarada que tirou o violonista de seu isolamento, por conta de criar a ideia de Orquestra de Violão, foi o primeiro violonista que pegou João Pernambuco e disse “isso aqui é música de qualidade”. Quer dizer, quem é o camarada que tá por trás de todos esses movimentos? São as ideias que ele gerou.

E a preocupação dele com a memória de Villa-Lobos, também, não é? Com a memória de Villa-Lobos. Que é um reconhecimento, por que Villa-Lobos projetou a carreira dele. A Mindinha Villa-Lobos [viúva de Heitor Villa-Lobos] quando encomendou dele os 12 estudos para violão talvez nem imaginasse a projeção que ia dar, foi o que facilitou a carreira dele lá fora, foi o primeiro violonista a gravar os 12 estudos de violão de Heitor Villa-Lobos.

Você ajudou fundar a Escola de Música, mas ajudou a fundar outras escolas, mostrando uma preocupação sua sempre com o processo de formação pedagógica. Ceuma, depois foi diretor da Escola de Música, fundou a Escola de Música do Município. Fale um pouco dessa tua preocupação com o processo da formação do músico. Eu acho que é uma questão de humanidade. Essa preocupação eu sempre tive. Eu raciocinei a seguinte coisa: se eu não tivesse tido certa ajuda, que me projetasse, que me ajudasse nos momentos em que eu precisei, numa família de 11 filhos, quais seriam as perspectivas que a gente teria aqui? É uma preocupação social, humana, de ver que a música pode ajudar uma pessoa a plantar ideias que podem mudar sua vida. Ela é uma porta de entrada, ela não é a solução pra tudo, mas ela é a porta de entrada. É como se você entrasse num ônibus e esse ônibus começasse a passar por paisagens que você não conhece e você pode nem saltar, mas você diz “olha, se eu quiser ir eu tomo esse ônibus e vou pra ali pra aquele lugar”, eu sempre tive essa preocupação. Quando eu digo que eu vim da África pra ser o primeiro professor, talvez as pessoas não dimensionem o que representou em termos de sacrifício pra mim. O caminho natural era ir pra França, e eu vim pro Maranhão. Uma coisa que eu fiquei consciente ao longo desse tempo: não dá pra fazer agora sacrifícios maiores esperando que as coisas que você constrói sejam mantidas se elas estiverem vinculadas ao processo político. A política é a coisa mais traiçoeira que pode existir na vida, por que uma hora tá, outra hora não tá, outra hora volta, outra hora não volta mais, não tem continuidade, esse é que é o grande problema.

Queria que tu deixasse registrada aquela história gostosa do carrinho de picolé. As lembranças que eu tenho da minha infância, eu vivia muito dentro de casa, por que minha família não me deixava sair muito. Nem pra praça, tinha a Praça da Misericórdia ali, minha mãe dizia que eu tinha que evitar “adjunto”. Antes mesmo de começar a estudar mais seriamente o violão, eu já tava começando, tinha um ouvido assim que apurava, eu gostava de ouvir rádio, meu pai consertava rádios, a gente dormia com aquele barulhinho de rádio, ele ouvia a BBC de Londres, A Voz da América, aquelas coisas, e eu gostava, tinha um rádio em casa, e de tarde, chegava da escola, almoçava, tirava uma sonequinha, e aquele calor danado, ficava esperando a hora do sorvete passar, picolé e sorvete, e tal. Antes era num tipo de carrocinha, que o sujeito abria, aquela coisa toda. E nesse dia, rapaz, um dia quente, eu ligo o rádio e tá tocando essa valsa de Nazareth [Coração que sente], na Rádio Ribamar, que coisa linda, e o cara do sorvete gritou, “sorvete!”, aí eu aumentei o volume pra não perder, e fui correndo, naquele calor, esbaforido, e disse “eu quero um sorvete de baunilha”, e ele disse “você mesmo escolhe, abre aí pra escolher”. Agora, você imagina a sensação de você sair de um calor danado, faz aquele esforço, eu nunca tinha olhado pro lado de dentro [do carrinho de sorvete], que eu abro, vem aquela brisa gelada, com todos os sabores que estavam ali dentro. Ai, que sensação maravilhosa. Peguei o sorvete, volto, continuei ouvindo a música. Passa-se o tempo, cada vez que eu ouço essa música, Coração que sente, Arthur tocando, o quê que vem no meu nariz?, no meu olfato? O cheiro de todos aqueles aromas e pode estar o calor que tiver que vem aquela brisa maravilhosa.

Adnet é engraçado. Seu programa na Globo, não

Restará a um paladino do humor inteligente a Zorra Total?

Marcelo Adnet é um mundo. Um dos mais talentosos humoristas brasileiros surgidos nos últimos tempos, ele tem fundamentais inteligência e bagagem para fugir do padrão sem graça do que costumamos ver por aí no humor televisivo brasileiro.

Marcelo Adnet era um mundo. Foi reduzido a um bairro, uma cidade quando muito. Enquadrado no padrão Globo de humor, vive agora um dentista-detetive sem graça numa série idem, O dentista mascarado.

Literalmente mascararam Adnet, até então o maior salário da MTV brasileira, de quem ele deixou de ser “o” astro para tornar-se mais um numa emissora que mantém Faustão há quase 25 anos no ar aos domingos.

Vivemos um tempo hipertecnologizado, em que reality shows levam reles mortais a caçarem seus 15 minutos de fama, ou mandando um vídeo para disputar uma vaga em algum na tevê, ou fotografando e escrevendo a torto e a direito suas vidinhas bestas, meu Deus, o que comem, o que fazem, onde estão, para onde vão, com quem.

O agora global Adnet já tinha seus 15 minutos de fama na emissora em que um dia o M significou música. Foi encaix(ot)ado em um amontoado de piadas sem graça, clichês e atores que tiram uma onda de humoristas: alguém consegue rir da Taís Araújo, assistente-de programa?

Adnet é competente como ator. O problema é que, como humorista, ele precisa de liberdade, algo que a rigidez de scripts e direções não permite. Vejamos o que o destino lhe/nos reserva, façam suas apostas: outra temporada do programa, a geladeira ou a zorra-totalização.

Club Cult em ritmo de Festejos

No geral, tenho gostado do que tenho visto no Club Cult: pautas interessantes, competência na abordagem dos temas, boa edição, um capricho que diferencia o caçula dos programas independentes da tevê maranhense de seus “pares” de horários comprados.

Em se mantendo o nível, desejo vida longa ao programa apresentado pela simpática e talentosa Letycia Oliveira.

Abaixo, matéria que a trupe fez sobre Festejos, par de shows de lançamento do disco homônimo, estreia de Alexandra Nicolas no mercado fonográfico. E que estreia!

Quem perdeu o programa na tevê [Guará, aos sábados, às 13h30min], pode revê-lo a seguir. Quem perdeu o show vai ter que se ligar nas datas da turnê nacional que a cantora anuncia e inicia em breve.

O blogueiro no Club Cult

Num lançamento da Pitomba há algum tempo na UFMA disse umas coisinhas sobre a revista. A matéria do Club Cult já foi ao ar na TV Guará e está disponível (como outras) no canal do programa no youtube.

No Vias de Fato de fevereiro a entrevista que eu e Igor de Sousa, os autointitulados Los Perros Borrachos, fizemos com o trio de editores. Em breve a gente pendura por aqui.