Arquivo mensal: julho 2018

Sua voz ecoará para sempre

Blues for Lady Day. A história de Billie Holiday. Capa. Reprodução

 

O traço de Paolo Parisi engana o leitor mais apressado: parece econômico, mas o que o quadrinhista quer é que o leitor capte a alma de seus personagens. Ainda mais personagens tão intensos quanto John Coltrane (1926-1967) – biografado em Coltrane [Veneta, 2016] – e Billie Holiday (Eleanora Fagan Gough, 1915-1959), protagonista do recém-lançado Blues for Lady Day – A história de Billie Holiday [Blues for Lady Day; tradução: Rosane Pavam; Veneta, 2018, 112 p.; R$ 55,00].

Autor de traço e texto, Parisi, graduado em História da Arquitetura Contemporânea pela Universidade de Bologna, Itália, se vale de tudo ao refazer a trajetória da cantora, entre diários, discos, canções, livros (citados em bibliografia e discografia essenciais, ao final do volume), o noticiário da época, depoimentos de personagens que orbitaram em seu redor – Count Basie, Artie Shaw, Tony Scott e Louis Armstrong, para citar apenas alguns –, a relação conturbada com o pai Clarence Holiday, também músico, numa narrativa que foge do convencional e da linearidade.

Não deixa de abordar nenhum aspecto da vida trágica, sem pender ao sensacionalismo ou à indulgência: sua graphic novel equilibra-se entre a vida difícil de garota de origem suburbana, a prostituição, problemas com drogas e a polícia, e a estrela fundamental para a música americana – que ganhou o mundo.

Em Breve nota à margem, texto ao final do volume, Parisi explica suas escolhas, algumas bastante pessoais, como nomear os capítulos com títulos de algumas de suas canções preferidas entre as de Billie Holiday. Neste texto, lemos, em alturas diferentes: “O blues é entretenimento e história. O blues é voz política”, e depois: “Nós nos entretemos para não morrer”, entre outros pontos destacáveis.

Reside justo no equilíbrio entre entretenimento e história o grande trunfo dessa hq, como terá nisso residido a qualidade da obra de Billie Holiday, “ao mesmo tempo íntima e política”.

O reconhecimento do desenhista à grandeza de Billie Holiday é mais uma justa e merecida contribuição à preservação do legado de Lady Day. Oxalá sirva também para lhe angariar novos ouvintes.

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Ouça Strange fruit (Lewis Allan), com Billie Holiday:

Uma força da natureza

Foto: Fernanda Torres

 

Leila Maria não é apenas uma cantora: é uma força da natureza.

Força é palavra que bem a define, justamente por nunca ter vestido a camisa de, que quase sempre predestina as cantoras brasileiras e negras ao samba. Se rebolar, então…

Por falar em rebolado, Leila Maria dança o jazz.

O jazz pelo qual se apaixonou quando, criança, ouviu Night and day, de Cole Porter, na interpretação de Frank Sinatra.

“Eu achava que era música de velho. Eu era criança. Meu pai viajava muito, trazia discos, botava para ouvir, minha mãe dançava. Eu já estudava inglês, sou professora de inglês. Um dia eu prestei atenção na letra e foi uma paixão que eu carrego até hoje”, revelou.

A música foi um dos números do repertório de altíssimo nível apresentado pela cantora, ontem (27), no Teatro Arthur Azevedo, durante a cerimônia de lançamento da 10ª. edição do Lençóis Jazz e Blues Festival.

Falar em altíssimo nível em se tratando de Leila Maria é fácil: é capaz de ela arrepiar o público cantando até um simples parabéns a você.

Não é para qualquer uma ser chamada de “a voz brasileira de Billie Holiday”, como a crítica especializada costuma se referir a ela, que dedicou um disco, vencedor do Prêmio da Música Brasileira, ao repertório da americana.

A noite foi a grande escola de Leila Maria, os pianos-bares cariocas: o luxuoso Hotel Novo Mundo, a Modern Sound, entre outros palcos privilegiados. Na verdade, privilegiado é o público que a prestigia. “Vocês precisam saber: vocês também são parte do show. Se a gente saísse de casa e vocês não estivessem aqui, não era show, era ensaio”, disse, simpática e sincera.

Quando cantou Cry me a river (Arthur Hamilton), tirou onda: “alguém aí lembra da Kelly Key? Ela dizia “baba, baby, baby, baba”. Essa música é a mesma coisa. Quando eu cantava na Modern Sound, cantei três anos lá, as pessoas puxavam as giletes para cortar os pulsos. Tem uma coisa de vingança muito forte nessa letra. Você pisa e depois quer de volta? Nããããão…”. De música em música e história em história, conquistou e encantou o público.

Acompanhada por Fernando Costa (piano e vocais), Ricardo Costa (bateria) e César Dias (contrabaixo acústico), Leila Maria desfilou um repertório predominantemente cantado em inglês. Senhora do palco, deixou margem para o trio exibir seus talentos individuais, sobretudo em A night in Tunisia (Dizzy Gilesppie), tema originalmente instrumental que ganharia letra a pedido de Ella Fitzgerald.

Em português, com divisão diferenciada, cantou Desafinado (Tom Jobim/ Newton Mendonça), que dá título – Off key, em inglês – ao disco que ela dedicou a temas da bossa nova que se transformaram em standards de jazz lá fora.

“Agora eu vou cantar um samba. Mas eu vou cantar em inglês, que é para a discrepância ser maior”, gracejou, antes de mandar So nice, versão para o Samba de verão, dos irmãos Vale, Marcos e Paulo Sérgio.

Por falar em irmãos, os irmãos Gershwin, George e Ira, também compareceram ao repertório: The man I love abriu a apresentação da cantora e Summertime encerrou a noite.

“Apesar de ter conhecido pouco, eu adorei a cidade de vocês. Espero voltar mais vezes”, derramou-se. Com certeza o público que a viu ontem também espera. A julgar pelo show de lançamento e pela programação anunciada vai ser bonita a grande festa de comemoração pelas 10 edições do Lençóis Jazz e Blues Festival.

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10 ANOS DE UM FESTIVAL NOTA 10!

[textinho que tive a honra de escrever para a programação do evento, distribuída desde ontem]

Uma década de existência ininterrupta consolida qualquer festival no calendário cultural de qualquer lugar. É o que celebramos nesta 10ª. edição do Lençóis Jazz e Blues Festival, que em 2018 segue firme em seus propósitos: a diversidade de linguagens, a formação de plateia, o intercâmbio, a qualificação de integrantes da cadeia produtiva da música, através das oficinas, e, é claro, muita diversão.

O êxito do festival, ao longo desse tempo em que é realizado, deve-se a uma conjugação de fatores: a qualidade dos artistas convidados e, consequentemente, de suas apresentações, as belezas dos cartões postais em que se insere – diversos pontos das cidades de Barrerinhas, “capital” dos Lençóis Maranhenses que batizam o evento, e São Luís, capital do Maranhão, tão diverso culturalmente.

Por falar neste aspecto, importante ressaltar a troca sempre promovida, não apenas entre músicos, ao juntar atrações nacionais a atrações locais, valorizando a estrada percorrida por artistas em sua missão de “ir aonde o povo está”, como cantou o poeta, mas também, antenas ligadas, como é dever de qualquer festival que se preze, apontando para o futuro, descobrindo novidades, antecipando tendências.

10 edições é um marco por si só histórico. Mas “um mais um é sempre mais que dois”, como cantou outro, e há coisas que a matemática pura e simples não explica, ao menos não completamente. Não são 10 edições quaisquer: em 2018 completam-se 10 edições do Lençóis Jazz e Blues Festival, a que se deseja vida longa, pois muito ainda há por fazer e mostrar ao público do Maranhão – e que vem de outros lugares para prestigiar. Você, aí: junte-se a eles! Junte-se a nós!

Lançamento do Lençóis Jazz e Blues Festival terá show de Leila Maria, hoje

A cantora Leila Maria. Foto: divulgação

 

“Em minha gestão o Tutuca não ganhará nada, está fora. A briga com o Ronald [Pinheiro, compositor] mostrou o quanto ele estava engajado politicamente com o grupo que faz oposição ao nosso”, desferiu o então secretário de Estado da Cultura Luiz Bulcão, em entrevista, cerca de um mês após a consolidação do golpe que tirou Jackson Lago (1934-2011) do Palácio dos Leões e devolveu a cadeira de governadora a Roseana Sarney.

Ainda não sabíamos, mas em 2009 aconteceria a primeira edição do maior feito de Tutuca como produtor: o hoje longevo Lençóis Jazz e Blues Festival, que colocou o Maranhão definitivamente no mapa das grandes produções do gênero – aquela primeira edição contou com o patrocínio da Cemar, ainda sem a chancela da Lei Estadual de Incentivo à Cultura, com que a empresa continuou a parceria, até hoje.

Hoje (27), logo mais às 20h, no Teatro Arthur Azevedo (Rua do Sol, Centro), acontece o lançamento da comemorativa 10ª. edição do festival, que em 2018 terá, como de praxe, duas etapas: a primeira em Barreirinhas, entre os dias 10 a 12 de agosto, e a segunda em São Luís, no fim de semana seguinte (17 e 18).

No lançamento do festival quem canta é a carioca Leila Maria, que a crítica especializada costuma dizer tratar-se da voz brasileira de Billie Holiday. Os ingressos para o evento podem ser trocados na bilheteria do teatro por um quilo de alimento não perecível, cuja arrecadação será revertida em favor da Creche Caminhando com Cristo, do Parque Jair (São José de Ribamar/MA).

Entre as atrações confirmadas para a edição de 2018, o cantor e compositor mineiro Lô Borges, que presta homenagem aos 75 anos do parceiro Milton Nascimento; o gaitista Jefferson Gonçalves, bluesman talvez de presença mais constante nestes 10 anos de festival; o pianista pernambucano Amaro Freitas, grata revelação da música instrumental brasileira; Fauzi Beydoun, artista à frente do fenômeno reggae Tribo de Jah, desta feita mostrando sua porção bluesman; o pianista acriano João Donato, um dos inventores da bossa nova (se apresenta em São Luís dia 17 de agosto, data em que completa 84 anos de idade); o gaitista brasiliense Gabriel Grossi; a cantora carioca Taryn Szpilman; o reinventor do bandolim Hamilton de Holanda; e o violonista piauiense Josué Costa, outra jovem e grata revelação da música instrumental brasileira – programação completa no site do festival.

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Ouça Leila Maria em Swing, brother, swing (Clarence Williams/ Walter Bishop/ Lewis Raymond):

Rufar dos Tambores homenageia Papete

O percussionista maranhense Papete. Foto: Bruno Mendonça

 

“Era uma manhã de carnaval, época em que os tambores de crioula, naquela época iam muito às ruas tocar o carnaval. Nesse domingo eu desci na Deodoro e vi aquele tambor ecoando de longe, andei, fui chegando mais perto do som, era o Tambor de Mestre Leonardo. Aquilo foi um impacto, um raio, um clarão que abriu na minha cabeça. É isso aí que eu quero! Vou pesquisar, vou correr atrás”.

O depoimento do percussionista Luiz Cláudio, paraense radicado no Maranhão desde o início da década de 1980, a Ricarte Almeida Santos e este repórter, para a série Chorografia do Maranhão, relembra o impacto que foi, ver e ouvir pela primeira vez o genuinamente maranhense tambor de crioula.

Com base em São Luís, Luiz Cláudio fez escola, com saídas pontuais. Tocou com meio mundo de gente. Para citar apenas alguns artistas em cuja ficha técnica de discos seu nome aparece: Cesar Teixeira, Ceumar, Lena Machado, Rubens Salles e Zeca Baleiro.

Nesta sexta-feira (27), das 15h às 22h, com programação inteiramente gratuita, entre oficinas (todas as vagas preenchidas com bastante antecedência) e shows, acontece o Rufar dos Tambores – Festival de Percussão de São Luís, no Centro de Criatividade Odylo Costa, filho (Praia Grande).

“De algum modo isso está atrasado”, comentou o músico em entrevista a Gisa Franco e este escriba, sábado passado (21), no Balaio Cultural, programa que dividimos na Rádio Timbira AM (1290KHz). Longe de se lamentar, o que Luiz Cláudio disse é que, diante de sua devoção e reverência a grandes mestres da percussão maranhense, um evento desse naipe já deveria contar com várias edições realizadas, sob sua idealização e produção.

Esta primeira, em um único dia, é um passo inaugural. O percussionista revelou a intenção de consolidar o Rufar dos Tambores no calendário cultural da cidade, sem negar a influência do baiano Panorama Percussivo Mundial, o famosíssimo Percpan, que já teve o gigante Naná Vasconcelos (1944-2016) na direção musical.

A edição inaugural do festival homenageia Papete (1947-2016), talvez mais reconhecido como cantor, graças a álbuns antológicos como Bandeira de aço (1978), divisor de águas da música popular produzida no Maranhão, mas, antes de qualquer coisa, percussionista reconhecido internacionalmente.

“Nenhum artista simboliza os batuques afro-indígenas da nossa cultura popular como este percussionista (…) que dedicou sua vida a divulgar os ritmos e as toadas de nossos cantadores. Papete foi o primeiro músico brasileiro a fazer um show exclusivamente voltado para a percussão nacional”, o caprichado material de divulgação justifica a escolha.

Entre as atrações – programação completa na página do evento no facebook – destaques para o Batuque de São Benedito, “realizado anualmente dia 6 de janeiro no município de Carutapera por ocasião do festejo da igreja de São Benedito”, o Boi Brilho da Sociedade, “um dos mais tradicionais grupos do bumba-meu-boi maranhense, (…) um dos seis grupos do sotaque Costa de Mão que ainda estão em atividade”, o Terecô de Igaraú, “brincadeira de cordão realizada sempre no dia 25 de janeiro, em homenagem a Nossa Senhora de Belém, (…) tradição de mais de 200 anos, em que três tambores são batidos por mulheres” e o grupo Divina Batucada, que, inspirado “nas antigas turmas de samba, como Fuzileiros da Fuzarca, Turma do Quinto e Vira-Latas, homenageia os grandes nomes da velha guarda do samba tradicional maranhense, cantando, principalmente, canções que marcaram a história dos antigos carnavais” – aspas pescadas do material de divulgação.

A programação do primeiro Rufar dos Tambores será encerrada com o show Encantarias, título do EP que Luiz Cláudio lançou no fim do ano passado, com participações especiais de Chico César e Zeca Baleiro.

As obsessões em Mutarelli

O filho mais velho de Deus e/ou Livro IV. Capa. Reprodução

 

Há pouco mais de 10 anos o projeto Amores Expressos, da RT Features, enviou diversos escritores brasileiros para cidades estrangeiras. Eles passariam um mês em seus destinos, desenvolvendo uma história (de amor), a ser publicada em livro pela Companhia das Letras.

Vários títulos foram publicados. Entre outros, Ithaca Road (2013), de Paulo Scott (que foi a Sidney), O livro de Praga (2011), de Sérgio Sant’Anna, O único final feliz para uma história de amor é um acidente (2010), de João Paulo Cuenca (que foi a Tóquio), Do fundo do poço se vê a lua (2010), de Joca Reiners Terron (que foi ao Cairo), Estive em Lisboa e lembrei de você (2009), de Luiz Ruffato, e Cordilheira (2008), de Daniel Galera (que foi a Buenos Aires).

O 11º. título da coleção acaba de sair: O filho mais velho de Deus e/ou Livro IV [Companhia das Letras, 2018, 328 p.; R$ 38,00; leia um trecho], de Lourenço Mutarelli – que o Amores Expressos levou a Nova York. O quadrinhista que escreve romances e atua em filmes baseados em seus livros apresenta uma obra que confirma algumas de suas obsessões, a começar por sua devoção a Kurt Vonnegut – a quem o livro é dedicado, junto a Antonio Prata – e William S. Burroughs – cujo nome é citado uma única vez, após ter sido um dos motes do anterior O grifo de Abdera [Companhia das Letras, 2015].

O romance é habitado por homônimos de criminosos – sobretudo serial killers – e extraterrestres, com generosas doses de demonologia, que Mutarelli, senhor da ação, vai descortinando aos poucos, fisgando o leitor. O protagonista, um pobre-diabo alcoólatra, muda de nome e vida ao ir morar em Nova York, após ingressar em um programa de proteção a testemunhas controlado por uma estranha seita.

Se por um lado Mutarelli repete uma fórmula que marca sua obra literária – protagonista homem de meia idade de vida comum até um acontecimento extraordinário mudar o curso de sua vida –, os desdobramentos são sempre surpreendentes, fornecendo ao leitor uma espécie de exercício de aprofundamento em determinados temas, obsessões das personagens – e, portanto, do escritor.

Dividido em três partes, ou três livros (a quarta, que dá o título alternativo ao livro, é a soma daquelas), cada capítulo com dois títulos, Mutarelli joga habilmente com informações que poderiam soar excessivas ou desnecessárias nas mãos de alguém menos talentoso, caso, por exemplo, dos verbos usados para dar nome aos barulhos emitidos por diversos animais.

Albert Arthur Jones ou George Henry Lamson passa 10 anos em Nova York, fundindo sua paranoia particular à da cidade após o episódio das torres gêmeas em 11 de setembro de 2001. Sua principal obsessão, no entanto, reside num passado – e numa vida – da qual teima e não se libertar.

A moeda poesia na renegociação das dívidas com a música

Barítono. Capa. Reprodução

 

“Já fui salvo pela música tantas vezes, que, diante dela, sou um amontoado de dívidas constrangidas”. O verso que serve de orelha a Barítono [Editora Terreno Estranho, 2018, 78 p.] dá a pista do que vem ser o livro de poemas de Rodrigo Carneiro, jornalista, “cantor e letrista da banda Mickey Junkies e integrante dos grupos literários Trovadores do Miocárdio e Black Poetry”, como nos informa a outra orelha. O título dá outra pista. O próprio autor aparece na capa, empunhando um microfone e esvoaçando seus dreadlocks – o que dá mais uma pista. A palavra “pista”, aliás, é outra.

Os poemas de Rodrigo Carneiro têm ritmo. Em alguma medida o escritor paga suas dívidas. Ou começa. Ou intenta fazê-lo. “Se liga num poeta capaz de juntar, no mesmo imbatível poema, “a regata do Kiss” e “o sol d’O estrangeiro” de Albert Camus”, Xico Sá nos chama atenção no prefácio, cujo título é Um livro para levar para toda a vida.

A música permeia a obra do autor, edificada de modo a reparar, no céu, o sexo dos astros, entre os vãos dos prédios de São Paulo. Viagens e cenas do cotidiano também estão lá, em diálogo com as ilustrações de Diego Gerlach – autor do zine Pirarucu, encartado na Baiacu de Angeli e Laerte, faço questão de citar para acentuar a relação (também em sua poesia) de Rodrigo Carneiro com a cultura pop.

Em Rock’n’roll? O que é isso, Carlos?, um poema em prosa a traduzir com graça, uma cena banal que poucos considerariam poesia – faço questão de transcrever a íntegra: “Acompanhado da mãe, um garotinho, de uns seis, sete anos, passa por mim e, finalizando o discurso que faz aos quatro ventos, solta um “rock’n’roll”. A mãe, que o traz pela mão e atravessa o calçamento a passos firmes, para, de súbito. “Rock’n’roll? O que é isso, Carlos?”, indaga ela, surpresa e grave, ao menino. Como o ângulo de visão de nossos trajetos já tinha sido comprometido – àquela altura eu estava de costas para eles –, e a algazarra da região central da cidade inundava o ar, foi impossível ouvir a resposta do moleque. O que, curioso e dado a obsessões que sou, lamento profundamente. Desde o ocorrido, não consigo parar de pensar no que teria dito a criança a respeito da expressão proferida. Ou ainda: qual a bronca da jovem mãe com o gênero musical criado pela negrada americana. Eis mais uma das dúvidas que se acumulam na minha lista de incertezas. Mais uma das sentenças sem resposta que levarei comigo até o último dos dias”.

É comovente sua homenagem ao punk em Espírito de 1977: “O conheci ainda/ menino, e há/ entre nós tanta/ intimidade, que/ nos permitimos/ silêncios, crises,/ distanciamentos e/ reaproximações/ contínuas”, diz um trecho. Ou à banda de Tom Verlaine em Nós e o  Television: “Sem rede,/ que acolhe impactos,/ eis-nos aqui/ seguros/ nos braços/ da Vênus de Milo”.

Poesia é justamente este salto.

Vinil duplo celebra 20 anos de Carnaval na obra

Carnaval na obra. Capa. Reprodução

 

Terceiro disco da mundo livre s.a. (grafado assim mesmo, em minúsculas), Carnaval na obra (1998) foi um dos álbuns que me apresentou ao movimento MangueBit (grafia conforme Paula Lira, em seu A grande serpente) – foi o disco inaugural da Abril Music, num tempo em que a MTV Brasil apontava as antenas para boas novidades da música brasileira.

Antes do disco em si, lembro de uma coletânea encartada na revista Trip, dedicada ao movimento pernambucano, com nomes como mundo livre s.a. (Alice Williams, faixa que abre Carnaval na obra), Nação Zumbi e Matalanamão, entre outros.

Depois daquele aperitivo da revista (tenho o cd até hoje), descobri o terceiro disco inteiro e, no rastro, toda a discografia da mundo livre s.a. até então: Samba esquema noise, a estreia de 1994, de título e sonoridade de inspiração jorgebeniana, e Guentando a oia (1996).

Então formada pelo jornalista Fred Zeroquatro (voz, cavaquinho, guitarra, violão, banjo e surdo), Tony (bateria, caixa de ferramentas, programação de bateria eletrônica e backing vocal), Fábio (baixo), Bactéria (teclados, guitarra e backing vocal) e Marcelo Pianinho (percussão), a banda teve, nas 14 faixas de Carnaval na obra, quatro produtores que dizem muito do som brasileiro para ouvidos atentos lançado à época: Apollo 9, Bid, Carlos Eduardo Miranda e Edu K.

Além de Alice Williams, amor à primeira audição do duelo-diálogo de cavaquinho e bateria, Carnaval na obra traz faixas como A expressão exata, Quem tem bit tem tudo, O africano e o ariano, Novos eldorados e Compromisso de morte, entre outras, nas quais o componente político das letras de Zeroquatro já dava o tom.

Destaco ainda Bolo de ameixa, parceria com o jornalista Xico Sá, e Édipo, o homem que virou veículo, composta a partir de uma notícia de jornal: uma secretária municipal do Recife, ao ver catadores de materiais recicláveis em ação, exclamou que eles eram “mal-educados, pois não usavam luvas” para fazer seu trabalho. O Brasil é surreal faz tempo.

Outra curiosidade de Carnaval na obra, movida pelo preconceito contra o qual também se insurgiram desde sempre, é o título do disco. Estavam almoçando em um restaurante em São Paulo, próximo do estúdio onde o disco era gravado, quando um garçom indagou-lhes, ao ouvir o sotaque fortemente nordestino da trupe: “em que obra vocês estão trabalhando?”. Foi o suficiente para batizar o terceiro álbum de sua fusão de maracatu, rock e samba.

Celebrando os 20 anos de seu lançamento, Carnaval na obra acaba de ganhar edição comemorativa em vinil duplo de 180 gramas na coleção “Clássicos em vinil”, da Polysom.

 

Romance de jornalista revê governo Médici a demonstrar a atualidade da tragédia brasileira

Tempos de cigarro sem filtro. Capa. Reprodução

A prosa de José Maschio, seca, mas com ginga, de frases curtas, a incorporar o espírito das ruas e dos botecos, encontra pares em autores como João Antonio (1937-1996) e Marcelino Freire.

Autor experimentado em redações e salas de aula, praticando e ensinando o jornalismo em que se formou na Universidade Estadual de Londrina/PR e com o qual percorreu o país inteiro como repórter de jornais como Paraná Norte e Folha de S. Paulo.

Paulista de Echaporã, em seu Tempos de cigarro sem filtro [Kan Editora, 2017, 150 p.] entrecruzam-se diversas histórias de vida, em um Brasil sob a égide do golpe militar de 1964, durante o governo do general Emílio Garrastazu Médici, apelidado Carrascoazul por um personagem.

Maschio é elegante e tem domínio absoluto da linguagem ao abdicar de travessões ou aspas para marcar as falas de suas personagens, que acabam fundidas às do narrador, sem fundir a cuca do leitor, que ligeiro se vê fisgado pelo enredo, seus vários núcleos e suas mazelas particulares.

Ficção alicerçada em fatos e personagens reais – de cujo destino Maschio é também senhor –, trama política e policial com cheiro de povo: toda a sorte de relações mediada por afetos, traições, dinheiro miúdo, o equilíbrio na corda bamba da sobrevivência, falso moralismo, hipocrisia, politicagem, corrupção, a crueldade da ditadura militar, com torturas, desaparecimentos e assassinatos, e tudo o que acabou virando sinônimo de Brasil para o bem e para o mal, parte disso a reverberar ainda nos tristes tempos atuais, em que o país vive sob a égide de outro golpe.

Nem na ficção ditadura é solução, como se percebe em Tempos de cigarro sem filtro, o título a fazer trocadilho com o que se propõe: revelar um Brasil brasileiro, sem filtro, desde a coloquialidade da prosa até a escolha dos protagonistas, trabalhadores, gente simples que poucos se dispõem a enxergar, quanto mais a retratar.

O Brasil golpeado de hoje é resultado de uma redemocratização frágil, que nunca puniu sequer um agente da repressão. O problema é que os que pedem intervenção militar não leem sequer ficção.

O homem que virou livro

 

Na noite do último dia 5 de julho, os poetas Celso Borges e Fernando Abreu organizaram, em São Luís, a Noite Lula Livre, no Chico Discos, em que venderam pôsteres com os poemas Now, do primeiro, e Ainda assim um poema, do segundo. Parte do dinheiro arrecadado foi destinada ao acampamento Marisa Letícia, nas imediações da sede da Polícia Federal em Curitiba, onde o ex-presidente da República e líder nas intenções de voto em qualquer pesquisa eleitoral para o próximo pleito está preso há mais de 100 dias.

Lula Livre Lula Livro. Capa. Reprodução

Com estes poemas, os poetas maranhenses participam do livro Lula Livre Lula Livro [2018, 184 p.], organizado por Ademir Assunção e Marcelino Freire, reunindo 86 autores, entre escritores e desenhistas. A lista é longa e gabaritada: Ademir Assunção, Ademir Demarchi, Adriane Garcia, Afonso Henriques Neto, Alberto Lins Caldas, Aldir Blanc, Alice Ruiz, Andréa Del Fuego, Antonio Thadeu Wojciechowski, Artur Gomes, Augusto de Campos, Augusto Guimaraens Cavalcanti, Beatriz Azevedo, Bernardo Vilhena, Binho, Caco Galhardo, Carlos Moreira, Carlos Rennó, Celso Borges, Chacal, Chico Buarque, Chico César, Claudio Daniel, Diana Junkes, Douglas Diegues, Edmilson de Almeida Pereira, Edvaldo Santana, Eltânia André, Eric Nepomuceno, Evandro Affonso Ferreira, Fabio Giorgio, Fabrício Marques, Fernando Abreu, Ferréz, Frei Betto, Gero Camilo, Gil Jorge, Glauco Mattoso, Jessé Andarilho, Jorge Ialanji Filholini, Josely Vianna Baptista, Jotabê Medeiros, Juvenal Pereira, Karen Debértolis, Laerte, Lau Siqueira, Linaldo Guedes, Lucas Afonso, Luciana Hidalgo, Luiz Roberto Guedes, Manoel Herzog, Marcelino Freire, Márcia Barbieri, Márcia Denser, Maurício Arruda Mendonça, Noemi Jaffe, Patrícia Valim, Paulinho Assunção, Paulo César de Carvalho, Paulo de Toledo, Paulo Lins, Paulo Moreira, Paulo Stocker, Pedro Carrano, Raduan Nassar, Raimundo Carrero, Ricardo Aleixo, Ricardo Silvestrin, Roberta Estrela d’alva, Rodrigo Garcia Lopes, Ronaldo Cagiano, Rubens Jardim, Sandro Saraiva, Sebastião Nunes, Seraphim Pietroforte, Sérgio Fantini, Sérgio Vaz, Sidney Rocha, Susanna Busato, Tarso de Melo, Teo Adorno, Vanderley Mendonça, Waldo Motta, Wellington Soares, Wilson Alves Bezerra e Xico Sá.

Ao final do volume, um recado direto e corajoso: “impresso em julho de 2018 em São Paulo, pela liberdade do ex-presidente Lula e contra o golpe de 2016”.

Há textos escritos especialmente para o volume; outros, surgidos no calor e emoção dos acontecimentos, juntaram-se àqueles; e há ainda textos (mais ou menos) conhecidos do brasileiro médio interessado por política e cultura, para além dos boatos e do ódio disseminados na velocidade da luz sobretudo em grupos de família no whatsapp.

Foto de Juvenal Pereira. 1989

Entre estes, que reaparecem ali, o discurso de Raduan Nassar, lido em 17 de fevereiro de 2017, por ocasião da entrega do Prêmio Camões 2016. O então ministro da Cultura Roberto Freire (quem lembra?) chegou a insinuar, à época, que o autor de Lavoura arcaica deveria abdicar do prêmio, já que considera o governo que fazia sua entrega – junto ao governo português – ilegítimo. “O escritor paulista fez questão de participar desta antologia com a publicação deste texto histórico, inédito em livro”, adverte nota antes do discurso.

Também aparecem nas páginas de Lula Livre Lula Livro o requerimento de Frei Betto à juíza Carolina Moura Lebbos, datado de 8 de maio deste ano, em que o frade dominicano solicita à autoridade “permissão de visitar periodicamente Luiz Inácio Lula da Silva, a partir do próximo mês de julho, segundo data, horário e critérios estabelecidos pela senhora”.

Lula angariou mundo afora incontáveis títulos de Doutor Honoris Causa, em universidades de diversas partes do mundo. O ex-torneiro mecânico nascido em Garanhuns, interior de Pernambuco, contrariou qualquer lógica e acabou por tornar-se presidente da República e maior líder político da América Latina destes tempos. Aqueles que são incapazes de reconhecer sua grandeza, continuam desdenhando, de forma grosseira e desqualificada, tratando Lula por analfabeto e cachaceiro.

Uma estatística divulgada à larga na imprensa após certo período de Lula na prisão, dava conta dos livros lidos por ele no cárcere, declinando os títulos lidos e a média – absurda, para os reacionários que julgam-no por si próprios no quesito leitura – de 55 páginas lidas por dia. Entre os vários títulos lidos por Lula está a biografia Belchior: apenas um rapaz latino-americano, do jornalista Jotabê Medeiros. O escritor comparece ao volume com a Carta a Lula leitor, missiva aberta que publicou em seu blogue.

“Certamente não me parece sensato imaginar que os escritores escrevam também pensando num leitor gigante. Um leitor maior que sua imaginação, capaz de colocar milhares de crianças em ônibus novos no interior do Maranhão, da Paraíba e do Piauí indo pra escola pela primeira vez; capaz de dar fim a um ciclo centenário de mortalidade infantil; capaz de dar oportunidades para bisnetos e trinetos de escravos de se bater igualmente na mesma academia dos bisnetos e trinetos de seus algozes; capaz de nocautear um destino histórico de submissão, de autopiedade”, enumera Jotabê, apontando mazelas às quais o Brasil foi, infelizmente, devolvido, após Dilma Rousseff, sucessora e correligionária do petista, ter sido arrancada do cargo ao qual foi legitimamente eleita, pelo golpe de 2016.

Laerte. 2018

A saga de Lula tem ares kafkianos e não à toa Joseph K., protagonista de O processo, é citado no texto de apresentação da obra. Há tempos não se via no Brasil reunião de escritores tão volumosa e vigorosa. Para os organizadores, a publicação manifesta o inconformismo dos autores, “que consideram a prisão de Lula uma aberração jurídica-política-midiática, com o objetivo maior de tirá-lo das eleições presidenciais deste ano, no tapetão, na cara-dura”, como afirmam no texto de introdução do volume.

“O propósito do livro é criar mais um fato de repercussão, a partir da tomada de posição dos escritores, poetas e cartunistas, para engrossar os movimentos nacionais e internacionais contra a farsa da prisão do ex-presidente – e o golpe antidemocrático que representa a sua exclusão do processo eleitoral de 2018”, continuam.

E voltando a Kafka: “O processo que assistimos no Brasil contemporâneo, contra uma figura pública central da história política dos últimos 40 anos, guarda semelhanças e dessemelhanças com o enredo kafkiano: se o seu desenrolar expõe uma lógica absurda, suas origens e fins são muito delineáveis”.

“Travestido com togas cheias de furos e remendos, simulação grosseira dos ritos legais que deveriam nortear a Justiça (com J maiúsculo), ele obedece a princípios e a um calendário com objetivo calculado: eliminar da disputa presidencial de 2018 o candidato com mais chances de vitória”.

Além da versão impressa, a íntegra do livro será disponibilizada em um site na internet. Organizadores e autores seguem em busca de parcerias com movimentos sociais e interessados em geral para a impressão e distribuição de mais exemplares. A causa é nobre.

O livro é também uma demonstração de carinho e força: mais que um homem ou um político, Lula é uma ideia. E ideias não se aprisionam. Em paz com sua consciência, ainda preso ou já em liberdade, é mais um livro que ele vai ler. Terão seus algozes a curiosidade, coragem, disposição e grandeza de fazer o mesmo?

Um homem plural

Tião Carvalho conversou com exclusividade com o JP Turismo, aproveitando sua passagem por São Luís, onde realizou diversos shows na temporada junina.

TEXTO E RETRATO: ZEMA RIBEIRO

O maranhense Tião Carvalho não cursou faculdade, mas hoje em dia entra em universidades para dar aula. Com quase 40 anos em São Paulo e mais de 30 de Grupo Cupuaçu, o artista nascido em Cururupu José Antonio Pires de Carvalho consolidou-se como um embaixador da cultura maranhense em outros cantos do país e da cultura brasileira em outros cantos do mundo.

Ele ganhou o apelido Tião nas peladas da infância, jogadas na Praça Odorico Mendes, no centro de São Luís, pela semelhança física com um jogador do Atlético Mineiro da década de 1970.

Tião Carvalho esteve em São Luís, onde realizou diversos shows na temporada junina. Aproveitando sua passagem, conversou com exclusividade com o JP Turismo.

JP Turismo – Qual o teu balanço do São João? E qual o sentimento de voltar à terra natal, reencontrar os conterrâneos?
Tião Carvalho – Eu venho, moro em São Paulo, fora do Maranhão, se a gente quiser arredondar, fala em 40 anos. Eu saí daqui no ano de 1979. Eu sou vidrado nisso aqui, eu venho para o Maranhão por vários motivos e esse período eu dou graças a Deus que eu posso vir ao Maranhão, eu vejo outros amigos, a gente fica muito distante. Essa questão joanina tem muito a ver com minha família, eu sou filho de cantador de boi, essa tradição está na pele, no espírito. Eu vindo trabalhar, encontrar pessoas, poder trazer minha mensagem para esse público maranhense é muito legal.

A Renata Amaral, baixista que já tocou com você, acabou de lançar um documentário sobre o mestre Humberto [Guriatã]. Você viu o filme?
Ainda não. Conheço a ideia do projeto, a relação de Renata com Mestre Humberto, como era também com Pai Euclides, foi interessante esse tempo de ela focar nessas duas fontes, dois grandes mestres, grandes sensibilidades dela, isso também faz parte desse intercâmbio. Ela veio para cá várias vezes tocar comigo, a gente ainda toca em São Paulo, hoje menos. Hoje a minha baixista é a Thamires, que está morando em São Paulo. Eu gosto muito dessa energia feminina em minha banda, dessa mistura em minha banda, ter homens, mulheres, negros, brancos, isso é pensado, não é por acaso. Eu gosto disso, dessa miscigenação, essa força.

E o Cupuaçu? Segue firme e forte? Como é conciliar o grupo com tua carreira solo? De algum modo é o grupo que te deu reconhecimento.
Agora ele vai ficando mais tranquilo, o que acontece: nesses 30 anos você vai formando outros mestres, outros cantadores, o Henrique Menezes, que é daqui da família Menezes, da Casa Fanti Ashanti, chegou em São Paulo garoto, colou comigo graças a Deus, hoje em dia assume a brincadeira quando eu estou viajando, a Graça Reis é uma pessoa que a gente divide essa liderança hoje em dia, ela também com essa força da energia feminina que a gente respeita muito, minha irmã Ana Maria Carvalho, cantadeira, cantora de bumba meu boi, compõe, meu filho Yuri já canta, Alfredo Ramos. Tem toda uma turma que foi do Maranhão e se consolida em São Paulo. Claro que enquanto eu tiver vida e saúde eles vão querer minha presença, mas o Cupuaçu é uma escola, hoje em dia eu viajo mais tranquilo, tanto no Brasil, quanto no exterior, sabendo que o grupo vai continuar.

E o festival de que você vai participar em Goiás?
O show no 18º. Encontro de Culturas Tradicionais da Chapada dos Veadeiros [de 13 a 28 de julho] é dia 25, uma quarta-feira. Eu vou dar oficina de dança, já estive lá este ano. É um festival de São Jorge, a cidade, é um festival tradicional na Chapada dos Veadeiros. É a segunda vez que estou indo para o festival, eu fui há 10 anos. De lá eu vou para Pirinópolis, depois vou para Goiânia fazer show, depois volto para São Paulo. Segunda-feira agora, dia 16, estou indo fazer um show num congresso de antropologia, convidado por minha comadre, professora, Paola Gebran, pianista e tecladista, que toca comigo na minha banda. Minha vida é isso aí, uma árvore com muitos galhos e que dá frutos diferentes.

Uma árvore sui generis. Quase 40 anos de São Paulo, só voltando aqui a passeio. O que te levou até lá? Quando você foi, você já tinha se descoberto artista ou se descobriu lá?
Já. Lá eu só vi acentuar essa questão. Eu já nasci com essa sina viajeira, quando eu era criança eu já tinha esse espírito. Eu jogando futebol, os técnicos já me davam a braçadeira. Meus mestres de bumba meu boi, tambor de crioula, capoeira, já apostavam em mim como líder desde criança. Isso eu já tinha. Vir aqui não é bem passeio, eu tenho obrigações de vir aqui, religiosas, sociais, culturais, políticas. Eu sinto que preciso vir e o Maranhão também precisa que eu venha.

Isso com certeza! Por falar em questão política, como você observa o cenário brasileiro após a retirada de Dilma do poder e da assunção de Temer?
[Pensativo] Eu vejo que tem algo aí temeroso nesse sentido. Mas o nosso Brasil vem de muito longe, e a gente, cada momento, tem algo que está em evidência. É muito complicado. Ao mesmo tempo a gente tem a memória curta. É complicado de falar, muitas das vezes existem gêneros, classes sociais, povos, raças do Brasil que são mais perseguidas que os outros. Muitas pessoas podem falar o que quiser e elas passam batido. Eu, corre o risco de abrir a boca e passar a ser um dos perseguidos, e aproveitarem a mim para poder amedrontar outros, como no caso de Marielle [Franco, vereadora carioca assassinada há quatro meses].

Você está falando isso particularmente por ser negro?
Claro! Eu sou negro. Se acontecer alguma coisa comigo, em um mês já esqueceram. Quem que fala aqui do Gerô [o artista popular Jeremias Pereira da Silva, assassinado por policiais militares em 2007]? De Mãe Mukumby, minha mãe de santo lá de Londrina, que foi morta no terreiro dela, a facadas. Ninguém fala, sai uma notícia no Brasil e ninguém falou mais, entendeu? Que bom que você está registrando. Eu estou com 63 anos, eu poderia dizer, bem vividos, jogo futebol, jogo capoeira, canto, ando a pé, entro e saio de todos os lugares do Brasil, tanto os mais simples aos mais sofisticados. Eu tenho que ter muito cuidado ao falar. Eu sinto isso. Tem 10 pessoas falando, aí de repente: “escolhe aquele”, pra poder amedrontar os outros.

Você considera que a gente vive uma ditadura, um estado de exceção, hoje, no Brasil? Isso justificaria teu temor em falar.
Eu coloquei para você exemplos. Quando é alguém de família tradicional que fala, ficam com mais medo de mexer. Eu lembro que estava assistindo ao filme Eles não usam black-tie [dirigido por Leon Hirszman, baseado na peça de Gianfrancesco Guarnieri], os caras estão reunidos e o cara fala fazendo aquele movimento: “o negrão, o negrão”, e o cara, “pá!” [imita o som de um tiro, com a mão imitando um revólver], entendeu? É um pouco isso. Quem calça o sapato sabe onde aperta, quem mora em casa sabe onde chove, minha avó já falava isso pra nós.

Como você avalia o governo Flávio Dino?
O que chega para nós lá em São Paulo é que nas pesquisas ele é o governador número um. A gente vem aqui pra ver, eu torço pra que isso cresça. O que ele precisar de minha ajuda, ele terá. A primeira questão é o Maranhão em si, nosso estado, nosso povo. Que Deus abençoe a gestão dele, eu torço para que a gente continue levando o Maranhão em frente.

Projetos de novos discos?
40 anos de carreira. Muitas vezes a gente faz aniversário na segunda e comemora no sábado, então tem um pouco isso. Os 40 anos de carreira eu já fiz, mas muitas vezes é preciso lidar mais com sentimento que com números. Eu fecho o ciclo de outra forma. Ainda não está definido o repertório, mas já estou trabalhando com alguns parceiros.

E o Cupuaçu?
A gente acabou de recopiar os dois cds [Toadas de bumba meu boi e Todo canto dança], estamos vendendo, e nos preparando, organizando para fazer um outro trabalho. Mas isso não é pra agora.

O Criolina [Alê Muniz e Luciana Simões] usou A mulher mais bonita do mundo [música de Tião Carvalho] como incidental em A menina do salão [faixa de Radiola em transe]. O que você achou?
Muito bom! Adoro eles. Fiz o carnaval com eles, vi começarem, são meus parceiros há muito tempo, tenho o maior carinho e respeito por eles.

[publicada originalmente no JP Turismo, Jornal Pequeno, hoje]

Ainda queima a esperança

A lona do circo da Turma do Biribinha. Foto: Zema Ribeiro

 

Termina amanhã (17) em São Luís a programação do Sesc Circo.

Na programação do Palco Giratório, que antecedeu o Sesc Circo, vi um espetáculo, quinta-feira passada (12), intitulado Magia. Era da Companhia Teatral Turma do Biribinha, de Alagoas, e unia, com simplicidade e competência, os ambientes mágicos do circo e do cinema.

Teófanes Antônio Leite da Silveira, o palhaço Biribinha, completa 60 anos de carreira em 2018. Em Magia, convida pessoas da plateia a interagir com ele no palco, longe de qualquer possibilidade de constrangimento – não faltaram, aliás, candidatos, sob a lona absolutamente lotada.

O espetáculo é um conjunto de esquetes que homenageiam do Gene Kelly de Cantando na chuva ao Charlie Chaplin de tantos clássicos do cinema mudo, passando também pelo universo do faroeste, entre outros.

Diversão e risos garantidos, além de uma viagem à infância e ao universo lúdico do picadeiro, de que o palhaço é senhor absoluto, ainda mais no caso de Biribinha de Arapiraca.

Com classificação indicativa livre, havia muitas crianças na plateia, mas criança não anda só. A determinada altura, enquanto agradecia os que participavam de um esquete e recrutava outros para o próximo, disse a um jovem que deixava o palco: “desça! E leve o Temer junto!”, para gargalhada geral.

Há quem ache que arte e política não se misturam e este que vos perturba mesmo chegou a ver quem tentasse censurar os poetas Celso Borges e Fernando Abreu pela Noite Lula Livre, que realizaram na quinta anterior (5), no Chico Discos, vendendo pôsteres com poemas de sua autoria aludindo ao sequestro político do líder das intenções de voto em qualquer pesquisa eleitoral – ambos estão no livro Lula Livre, que sai este mês, organizado por Ademir Assunção e Marcelino Freire, com entre outros, Aldir Blanc, Augusto de Campos, Caco Galhardo, Carlos Rennó, Chico César, Frei Betto, Juvenal Pereira, Laerte e Xico Sá.

Há quem pense que tergiverso e mude de assunto. Não. A Turma do Biribinha e a palavra que dá título a seu espetáculo tiveram mesmo a capacidade de encher de esperança (roubei o título de um antigo sucesso de Raul Seixas na voz de Diana) os ludovicenses que (ainda) creem na arte e na política – juntas ou separadas: durante o tempo em que estiveram na cidade, armaram literalmente um circo (onde Magia foi apresentado) ao lado do Terminal de Integração da Praia Grande, relembrando o saudoso Circo Cultural Nelson Brito, o Circo da Cidade, para os íntimos, retirado da população no fim do mandato do ex-prefeito João Castelo (1937-2016) e nunca devolvido.

Documentário reverencia Humberto de Maracanã e contribui para a manutenção de seu legado

O mestre Humberto de Maracanã. Foto: Diana Gandra
O batalhão pesado de Maracanã. Foto: Diana Gandra

 

É necessário reconhecer a importância do trabalho empreendido pelo grupo A Barca, ao longo de 20 anos de existência – um novo disco celebrando a marca deve ser lançado até o fim do ano –, no registro de manifestações da cultura popular brasileira. Guardadas as devidas proporções, seu trabalho se irmana a mapeamentos fundamentais como as pioneiras Missões de Pesquisas Folclóricas empreendidas por Mário de Andrade ainda nos anos 1930 e todo o catálogo da gravadora Discos Marcus Pereira, do publicitário aficionado por música popular, realizado entre os anos 1960 e 70.

Dito isto, merece especial destaque a paixão da contrabaixista Renata Amaral pela cultura popular do Maranhão. Com o grupo, ela foi responsável pelo lançamento de discos como os do Baião de Princesas, Tambor de Crioula de Taboca, Tambor de Mina Raiz Nagô, Bumba Meu Boi de Encantado Garotos do Cruzeiro, manifestações da Casa Fanti Ashanti, do Bumba Meu Boi de Costa de Mão Brilho da Sociedade, Tenda São José e Estrela Brasileira, do Bumba Meu Boi de Maracanã.

Renata também assina direção e roteiro do documentário musical Pedra da Memória (2013), que acompanha uma viagem do babalorixá Euclides Talabyan ao Benin.

Guriatã. Capa. Reprodução

No último dia de São João (24 de junho), Renata Amaral lançou, durante a cerimônia do batizado do Bumba Meu Boi de Maracanã, na sede do grupo homônimo, na comunidade idem, no interior da Ilha de São Luís, o documentário Guriatã [Brasil, 2018, 90 min.], com direção e roteiro também assinados por ela – o projeto foi selecionado pelo edital Rumos Itaú Cultural.

A musicista e cineasta conviveu com Humberto por cerca de duas décadas, inclusive como integrantes do Ponto BR, coletivo que reúne mestres de cultura popular de várias regiões do Brasil. O que se percebe no filme é um misto de intimidade, comunhão e devoção.

Estrela de primeira grandeza, interpretado por vozes como Alcione e Maria Bethania, Humberto Barbosa Mendes (1939-2015) era um homem simples, do povo. Lavrador. Sobretudo de versos. Em 2008 foi o homenageado do Prêmio Culturas Populares do Ministério da Cultura.

O guriatã do título é uma alcunha adotada pelo próprio Humberto, assim reconhecido por pessoas próximas e pelos milhares de seguidores e seguidoras de seu batalhão pesado. Curioso é que o passarinho que lhe deu apelido é conhecido por imitar o canto de outros pássaros, embora Humberto de Maracanã fosse dono de um canto e uma poesia extremamente originais – não à toa vários depoimentos apontem-no como único, maior.

É impactante ver a emoção causada por seu canto e sua capacidade de liderança. É comovente o relato de Walter França – mestre de maracatu, também seu companheiro no coletivo Ponto BR – sobre a primeira vez que ouviu uma toada do maranhense e sua vontade imediata de conhecer o compositor. É curiosa a revelação da porção sambista do protagonista. É sublime o registro de Humberto junto a Pai Euclides e Mestre Apolônio, todos já falecidos. É engraçado compartilhar de momentos descontraídos, a diretora transformando qualquer espectador em íntimo do ídolo.

A lembrança de toadas de pique – equivalentes aos repentes de violeiros no universo do bumba meu boi – também garante boas risadas, com Humberto em geral vencendo os desafios. Mesmo quando se fala em seu falecimento, a reverência com que é tratado atenua a dor da perda e aponta para a perpetuação de seu legado – a grande família, consanguínea e comunitária, de Mestre Humberto tem mantido viva e acesa a tradição do Bumba Meu Boi de Maracanã, para o que também o documentário de Renata Amaral dá contribuição inestimável.

Um olhar privilegiado sobre o maio de 1968

Um ano depois. Capa. Reprodução

 

O trunfo da prosa de Anne Wiazemsky (1947-2017) é nos tornar cúmplices dela e do então marido Jean-Luc Godard em suas perambulações pelos acontecimentos do maio de 1968.

À época com apenas 20 anos, a atriz conduz os leitores por um ângulo sui generis, tornando-nos íntimos, espectadores privilegiados, como a conviver com tantos personagens interessantes que aparecem ao longo das páginas de Um ano depois [Um na après; tradução: Julia da Rosa Simões; Todavia, 2018, 172 p.; R$ 50,00] – o livro foi adaptado ao cinema por Michel Hazanavicius, com Louis Garrel no papel de Jean-Luc Godard.

Godard era um ícone da esquerda francesa e de algum modo havia profetizado o mítico mês em que os estudantes tomaram Paris em seu filme A chinesa, lançado em 1967, com Anne Wiazemsky como protagonista.

A autora escancara sua intimidade com o cineasta, de modo poético, entre preferências gastronômicas, o mau humor quase infantil provocado por motivos prosaicos, o trabalho e o ciúme – o homem comum por detrás do gênio do cinema –, longe de soar fútil.

O cineasta se irrita, por exemplo, com a mulher indo à praia em plena greve. Ou com os donos da casa em que se hospedam durante determinada passagem, enquanto Paris literalmente pega fogo. Anne reconta também episódios marcantes como o boicote – liderado por Godard e François Truffaut, de quem se afastaria, posteriormente – ao Festival de Cannes, além do convívio com figuras como o filósofo Gilles Deleuze e o cineasta Bernardo Bertolucci, entre outros.

Em uma reunião em que se discute a gravação de um filme de Godard com os Beatles, o projeto acaba inviabilizado pelo humor de John Lennon. Anne e Paul McCartney enfiam-se debaixo da mesa para tomar chá e comer bolachas – para desespero de Godard, que não acredita muito na versão da própria esposa, ao menos não de cara.

Na sequência, o casal viaja para Londres, onde acaba gravando os Rolling Stones em Simpathy for the devil – as gravações foram interrompidas por um incêndio no prédio do estúdio e a escritora não retoma o assunto.

Anne Wiazemsky também aborda as insatisfações e desilusões de Godard com o cinema e sua ameaça em deixar de praticar a sétima arte – em determinada passagem chama a si mesmo de “Jean-Luc ex-Godard” – e seu quase suicídio motivado por… ciúmes.

A história é contada com rigor e sentimento, sem romantização, em uma prosa delicada, por quem esteve literalmente no olho do furacão. É um olhar inédito e instigante sobre os acontecimentos de maio de 1968, seus desdobramentos e, sobretudo, seus personagens, fundamentais para a vida cultural e política do planeta nos últimos 50 anos, homens e mulheres com seus defeitos e contradições, tão humanos quanto nós, meros leitores e admiradores de seu legado.

E não é o Domingão do Faustão!

O vazio do domingo. Frame. Reprodução

 

Como muitos podem pensar ao ler o título O vazio do domingo [La enfermedad del domingo, drama, Espanha, 2017, 113 min., classificação indicativa: 16 anos; disponível no Netflix].

O belo filme de Ramón Salazar explora de maneira poética, emoldurado por belas paisagens, os limites da ética e do amor.

Começa com ares de filme policial, a trama a envolver o espectador em uma espécie de jogo de gato e rato.

As atuações de Bárbara Lennie e Susi Sánchez, que interpretam a filha Chiara e Anabel, a mãe que a abandonou décadas antes, são estonteantes – nelas se concentra o enredo, numa curta temporada em que passam juntas, a partir de um pedido da primeira.

Anabel tornou-se rica e poderosa e ao ver a reaproximação da filha, imagina mesquinhamente tratar-se de alguém que quer dinheiro. É aí que há uma guinada para um convívio durante o qual é forçada a sair de sua zona de conforto, entregando-se a tarefas domésticas simples, lembranças, feridas que não cicatrizam e um tempo que ameaça consumir a (re)descoberta de laços – no que o título em português é mais sutil que o original, ao não entregar o ouro de cara, ao contrário deste resenhista que não se importa em dar spoiler.

O atrito entre as protagonistas é permanente, apesar do atavismo que as une – “quem herda aos seus não degenera”, diz o dito popular. Em determinada cena, mãe e filha veem slides e aquela se surpreende com uma memória impossível: em uma imagem aparece grávida de Chiara, mas com a mesma idade desta, a seu lado. A filha explica tratar-se de uma colagem, algo simples, elogiada pela mãe quase como uma obra de arte, enquanto surge uma nova revelação sobre o passado da adolescente abandonada. Um drama familiar comovente.