Arquivo mensal: novembro 2017

“O produtor deve tentar sempre se ater à melhor qualidade possível de sua época”

“Me pegou desprevenido mesmo! Mas vou te respondendo no voo… Ó aí!”, escreveu o produtor musical Bruno Giorgi na resposta ao e-mail que lhe enviei com as perguntas desta entrevista.

O filho de Lenine ainda não tem 30 anos e já é um dos nomes mais requisitados do Brasil em sua área. Praticamente nasceu dentro de estúdios e viu produtores lendários em ação, como Tom Capone (1966-2004).

Em 2006, Bruno Giorgi abriu o estúdio O Quarto, na Urca, Rio de Janeiro, onde atua como produtor e engenheiro de som. Uma busca com seu nome na internet levará a um escultor brasileiro homônimo (1905-1993). Nosso entrevistado foi indicado ao Grammy latino pela engenharia de som de Chão (2011), disco de seu pai. Ele assina a mixagem e masterização de Ottomatopeia (2017), disco mais recente do também pernambucano Otto.

Bruno Giorgi está em São Luís ministrando a oficina Introdução à produção musical, hoje (30), amanhã (1º./12) e depois (2/12), das 14h às 17h, no Centro Cultural Vale Maranhão, na programação do Conecta Música, evento paralelo de formação do Festival BR 135.

Ele conversou com exclusividade com Homem de vícios antigos.

Foto: Flora Pimentel/ Divulgação

 

Bruno, qual é efetivamente o papel de um produtor musical e quais os limites de sua interferência no trabalho de um artista?
Tudo depende do projeto a ser produzido. Há projetos em que o produtor cria toda a parte musical em conjunto com o artista. Também existem os projetos em que só cabe ao produtor gravar da melhor forma possível, com a menor interferência possível.  Isso, hoje em dia, é definido pelo artista, não mais pelo produtor.

Um produtor musical necessariamente não precisa ser músico, mas isso ajuda?
Todo conhecimento ajuda. O produtor está no meio de um diálogo entre o artista (ou a banda), músicos, técnicos e público. Para conseguir trabalhar com essa gama de profissionais, quanto mais ferramentas ele tiver, melhor.

Pelão [o produtor João Carlos Botezelli, responsável pelo lançamento em disco de nomes como Adoniran Barbosa, Cartola e Nelson Cavaquinho], Hermínio Bello de Carvalho [letrista de música popular, descobridor de Clementina de Jesus] e o escritor Sérgio Porto [assinava com o pseudônimo Stanislaw Ponte Preta, foi ele quem encontrou o compositor Cartola trabalhando como flanelinha] produziram discos fundamentais, sem serem instrumentistas. São exceções?
Existem vários outros ótimos produtores que não são músicos. Esta é uma discussão interessante, inclusive. Quem é músico? É só quem toca um instrumento?

O quanto sentimento ajuda no trabalho de um produtor? Explicando melhor: cumprir o papel de produtor apenas pelo cachê resulta num trabalho menos bom que um produzido por alguém que se emocione com o trabalho do produzido?
Esta pergunta é muito boa e vai ser um dos motes da nossa oficina! Obrigado por ela. Acho que existem produtores que já chegaram em um grau de experiência que os permite trabalhar satisfatoriamente com quase qualquer projeto. No caso desta pergunta, que julgo ser bastante pessoal, respondo apenas por mim… Acho que o interesse de todas as partes é fundamental para o sucesso de qualquer material artístico. No fim das contas, o trabalho envolvido na produção de um disco é lento e muito subjetivo; é difícil conciliar projetos, pois o trabalho requer imersão… No meu dia a dia, acabo priorizando os projetos em que me sinto necessário de alguma forma e isso tem a ver, claro, com interesse. Respondendo mais diretamente: prefiro indicar algum profissional que imagino que se adeque melhor à proposta do artista se o projeto não me despertar interesse. Por outro lado… É muito difícil um trabalho não me interessar hoje em dia. A maioria das bandas e artistas que chegam até mim me conheceram através de algum projeto anterior em que trabalhei. Isso acaba fazendo uma espécie de “seleção natural”: quem me procura o faz por notar alguma afinidade estética com o que já produzi…

O barateamento das tecnologias facilitou a vida dos artistas por um lado. Por outro, pulverizou a produção. Com tanta oferta e tanta exposição, como se destacar? O produtor tem também algum papel fundamental nisso?
Não costumo pensar no avanço tecnológico como uma ameaça aos profissionais que precisam dominar alguma técnica. Também não acredito que a facilidade que veio com a tecnologia reduziu a qualidade das produções; acho o exato contrário. Tendo dito isso, acredito que só se sobressai o profissional com um trabalho consistente. Isso é difícil. Mas está muito mais fácil do que há 20 anos.

As formas de produzir e consumir música mudaram ao longo das últimas décadas: vinil, cd, download, streaming, a volta do vinil. Como você avalia esta linha do tempo?
O material base continua sendo a música. Acredito que o mercado muda, a forma de se ouvir música também muda, mas seguimos tentando fazer uma música que se conecte com o resto das pessoas no mundo. Por isto, acredito que esta mudança de paradigmas só venha como uma atualização do objeto que dá play na música e não em alguma característica desta arte. Acho que o produtor, diante disso, deve tentar sempre se ater à melhor qualidade possível de sua época. O meio dita pouca coisa (hoje em dia, quase nada).

Você já trabalhou com nomes importantes da música brasileira, entre os quais Lenine e Otto, em seu disco mais recente. Pode revelar aos leitores com o que você está ocupado atualmente?
Entreguei a versão física do disco novo da banda pernambucana Kalouv esta semana. Estou finalizando o primeiro disco do Deriva, projeto do Mateus Guedes, também de Recife. Mês que vem começarei o disco novo do Lenine. Esta semana também sai o disco novo do Cicero, que gravei ao lado do Pedro Carneiro.

Brilha um Estrela

Foto: Zema Ribeiro

 

Lucas é Estrela desde o sobrenome. O guitarrista paraense colocou a multidão para dançar e aplaudir, ontem (25), na Praça Nauro Machado (Praia Grande), na programação do Festival BR 135 Instrumental.

É bastante jovem, pouco mais de 20 anos, mas toca como se tivesse mais tempo de experiência que de idade. Tem pose de rock star, mas é generoso: não quer o palco só pra si. O grupo que lhe acompanha, um percussionista, um tecladista e uma guitarrista que também toca banjo, se reveza na função de band leader. Todos falam, interagem com o público.

Lucas Estrela brilha e isto não é um trocadilho barato. Para além da música, o que por si só bastaria, usa uma camisa com paetês e um sapato lustradíssimo, parece que acabou de sair do engraxate, realçam-lhe o brilho.

É um homem bonito, com cabelos compridos inicialmente presos, mas que depois ele solta, balançando ao ritmo do que toca: siriá, tecnobrega, guitarrada, tecnoguitarrada, lambada. Nunca ouvi um brega de churrascaria tocado com tanta sofisticação. A sonoridade do quarteto faz o público parecer um enorme grupo de figurantes em cena de festa em filme de cineasta pernambucano com trilha sonora de DJ Dolores.

O Pará é tradicionalmente um celeiro de bons guitarristas. Lucas Estrela perpetua a tradição sendo moderno, ousado. Ano passado lançou Sal ou Moscou, seu disco de estreia. O primeiro a me falar dele foi o jornalistamigo Jotabê Medeiros, que assistiu a seu show no Se Rasgum em 2016, entrevistou-o e publicou uma matéria na CartaCapital. Quando comentei há poucos dias que o veria no Festival BR 135, o crítico musical mandou: “o garoto arrebenta”. De fato.

Ao fazer os agradecimentos, Lucas Estrela disse ter parentes no Maranhão, “metade da família no Pará, metade aqui em São Luís”. Várias pessoas na fila do gargarejo responderam ao cumprimento. Depois o artista desceu para o meio da multidão, empunhando sua guitarra, dançando e engrossando o coro de “Fora, Temer!”.

Ao anunciar o fim do show, Lucas Estrela ouviu de um ou outro tirador de onda mais exaltado: “toca Raul!” e “Calypso!”. Quando voltou para o bis, mandou: “vamos fazer mais uma. Não, vamos fazer logo mais duas” e seguiu com seu repertório autoral e dançante, cúmplice do público em êxtase do início ao fim.

Da Europa à Ilha

O grupo Quartabê se apresenta pela primeira vez em São Luís hoje (24). O show acontece às 21h30, na Praça Nauro Machado (Praia Grande), na programação do Festival BR 135 Instrumental – a programação de hoje na praça tem início às 19h e por ela passarão ainda os maranhenses DJ Pedro Sobrinho e Black & Tal, o paraense Lucas Estrela, além do Instrumental Pixinguinha, às 17h, na Feira da Praia Grande. A programação completa pode ser acessada no site do festival.

 

O Quartabê estreou em disco em 2015, com o ótimo Lição #1 Moacir, dedicado ao repertório de Moacir Santos. Este ano lançaram o EP Depê, também dedicado ao repertório do genial maestro pernambucano, com participações especiais de Juçara Marçal, MC Sofia, Tulipa Ruiz, Tim Bernardes e Arrigo Barnabé.

 

Após uma baixa – a saída da contrabaixista Ana Karina Sebastião –, Joana Queiroz (saxofone tenor, clarinete, clarone e flauta), Maria Beraldo (clarinete, clarone e sax alto), Mariá Portugal (bateria) e Rafael Montorfano, o Chicão (teclados) acabaram de chegar de sua primeira turnê europeia. O agora quarteto passou por Alemanha, Áustria, Espanha, França e Portugal. Foram 10 apresentações em 22 dias.

“Rumamos para o Festival BR135, no Centro Histórico de São Luís do Maranhão! Primeira vez da banda no Estado! Estamos ansiosíssimos para chegar nessa cidade maravilhosa que é São Luís, num Festival lindão, DE GRAÇA, tão cheio de gente bacana tocando. Dia 24 (sexta)”, assim a banda anunciou sua chegada à ilha em um boletim distribuído por e-mail a seu fã clube.

Por e-mail a baterista Mariá Portugal conversou com exclusividade com Homem de vícios antigos.

O quarteto em foto de José de Holanda

Vocês estiveram recentemente em turnê pela Europa e gravaram um single na Alemanha. Como foi a receptividade do público? Este single aponta algum caminho para um novo disco?
Na verdade gravamos um single na Espanha junto com a banda Forastero, dentro do Projeto SON Estrella Galicia, depois de ter dividido o palco no El Sol, em Madrid. Já participaram deste projeto Anelis Assumpção e Tulipa Ruiz. Este single significou principalmente uma troca de vivência com a banda, o que é uma forma muito interessante de entrar no ambiente musical do lugar, bem mais profundo que apenas fazer um show e ir embora. Passamos um dia inteiro no estúdio e gravamos uma música deles, e eles uma nossa.

No primeiro disco vocês homenagearam Moacir Santos. O próximo disco seguirá a trilha das lições de um mestre? Quem será o homenageado?
Sim, já estamos preparando nossa Lição #2, que será novamente sobre um compositor brasileiro (que não podemos revelar por enquanto, mas quem for ao nosso show consegue adivinhar).

A Quartabê agora é um quarteto. Como é se adaptar à nova formação?
Sim, desde setembro somos um quarteto. Como agora não temos baixista, dividimos a função do baixo entre nós quatro – ora o Chicão faz o baixo com sintetizadores, ora Joana ou Maria no clarone com auxílio de pedais, ora eu faço no MPC. Estamos bem felizes com a sonoridade que conseguimos, que sai do formato tradicional de quinteto de jazz que tínhamos com a Ana Karina Sebastião. Creio que essa mudança abriu uma série de possibilidades estéticas bem interessantes, e que com certeza refletirão no Lição #2.

A ida de Joana para uma residência artística na Argentina ano que vem pode vir a modificar novamente a formação do grupo? Ou ainda não se pensa efetivamente nisso?
A residência da Jojô será de apenas duas semanas, mas a verdade é que já estamos acostumadas com o fato de nós quatro sermos muito ativas profissionalmente e termos projetos paralelos. Isso é uma das coisas que fazem com que a Quartabê seja a banda que é. Todos nós estamos bem empolgadas com as conquistas dos últimos tempos e a fim de fazer acontecer. Ao que tudo indica, 2018 será um ótimo ano para a Quartabê.

Vocês tocam pela primeira vez em São Luís. Quais as expectativas? Musicalmente, o que vem à sua cabeça ao ouvir falar no Maranhão?
Estamos super empolgadas! Sabemos da riqueza musical maranhense e que tem muita gente esperando pela Quartabê por lá. Musicalmente nos vêm muitos nomes como os de Mestre Antonio Vieira, Dona Teté, Papete, a geração de Zeca Baleiro e Rita Benneditto, todo o mundo do Boi e do Tambor de Croula, toda a cena de reggae maranhense, Tião Carvalho, Lopes Bogéa… tantos outros. Pessoalmente, tenho uma história antiga com São Luís. Quando tinha por volta de 17 anos me hospedei junto com minha mãe na casa do percussionista Arlindo Carvalho. Aprendi muita coisa com ele e conheci vários outros músicos incríveis. Foi uma experiência inesquecível e transformadora.

E para além de musicalmente?
Arroz de cuxá, camarão seco com farinha d’água do Mercado Central e Guaraná Jesus!

Qual a base do repertório que vocês estão preparando para tocar aqui?
Será uma mistura dos nossos dois discos, Lição #1: Moacir e Depê (ambos dedicados à obra de Moacir Santos), com uma palhinha do Lição #2.

Você e Maria gravarão no próximo disco de Elza Soares. Para você, qual o significado de estar no sucessor de A mulher do fim do mundo?
Sem dúvida é um privilégio imenso. Nos dá a sensação de que estamos fazendo parte de um momento histórico. Só temos a agradecer.

São Luís em palavras hoje (17) na FeliS

São Luís em palavras. Capa. Reprodução

 

Em suas 11 edições, já participei da Feira do Livro de São Luís (FeliS) em várias condições: comprador compulsivo de livros, repórter, compondo mesas de debates, ou como integrante de sua equipe de curadoria.

Hoje, pela primeira vez, participo como autor: integro o time de 33 vozes de São Luís em palavras [Aquarela Brasileira, 2017, 195 p.], organizado por Celso Borges e Wagner Merije, que será lançado hoje (17), às 19h, no Cine Praia Grande (Centro de Criatividade Odylo Costa, filho, Praia Grande).

Baita honra dividir o volume com, entre outros/as, Andréa Oliveira, Bruna Castelo Branco, Celso Borges, Eduardo Júlio, Ed Wilson Araújo, Félix Alberto Lima, Fernando Abreu, José Reinaldo Martins, Lissandra Leite, Marilda Mascarenhas, Otávio Rodrigues, Talita Guimarães e Wilson Marques, para citar apenas os/as colegas de profissão.

Compareço às páginas com Contradições ilhéus, que é uma versão atualizada deste texto que publiquei em 2008 na bilíngue-francesa Brazuca, a convite do jornalistamigo Daniel Cariello, que conheci nos tempos do Overmundo.

Apareçam!

A atualidade de Guilherme Arantes

A simples menção ao nome de Guilherme Arantes evoca diversos sucessos de sua autoria, não poucas baladas radiofônicas facilmente assobiáveis até hoje e temas em trilhas sonoras de novelas. Ouvir seu disco sem os encartes – sim, são dois – à mão nos leva a pensar em como ele tornou à sonoridade oitentista que o alçou ao gosto popular, apesar de certa sofisticação melódica.

Flores & cores. Capa. Reprodução

Ouvir seu disco com os encartes à mão é perceber que evocar aquela sonoridade foi justamente sua intenção. Um dos encartes traz longo texto reproduzindo a caligrafia do compositor, pianista e cantor, em que ele se debruça sobre a gênese de Flores & cores [2017], seu 27º. álbum em 41 anos de carreira – após o lançamento, ano passado, de um documentário e um box comemorativo das quatro décadas de trajetória, iniciada com a banda progressiva Moto Perpétuo, que lançou um único disco, homônimo, ele se sentiu livre para recomeçar.

Revolveu velhas fitas cassetes e papéis amarelados que estavam se esfarelando com o tempo, retomou coisas antigas, mexeu em coisa ou outra entre letras e melodias e o resultado é um disco que conjuga a sonoridade de seu período de maior sucesso com os dias atuais.

Semente da maré é um dos primeiros hits do disco, apesar do tema árido e urgente: os refugiados ao redor do mundo. “Me vejo em qualquer morada…/ não conheço mais qual país/ corresponde a qual lembrança/ onde fui parar, o que eu fiz…/ duelo perdido, desde a tenra infância…/ …e o refugiado olha ao redor…/ sem ver semelhança”, diz a letra, facilmente assobiável, perfeita para o rádio na hora do rush.

A banda base de Guilherme Arantes, que pilota diversos pianos e teclados, é formada por Gabriel Martini (percussão e violões), Willy Verdaguer (contrabaixo) e Alexandre Blanc (violões e guitarras). O projeto gráfico do disco evoca ares psicodélicos, em diálogo com o tema de amor da faixa-título. Gravado no estúdio Coaxo do Sapo, na Bahia, há momentos solares, como Numa onda (Nada no mar) e Praia linda, músicas que falam de amor, tal qual Chama de um grande amor, mais escancarada.

Em tempos de música feita para consumo imediato e descarte idem, Guilherme Arantes recicla o conteúdo de seu baú, a revelar o porquê de sua longevidade artística. Música boa não tem idade e o paulista é um artista dos dias atuais.

Ouça Semente da maré:

Um rasante na Ilha magnética

Foto: ZR

 

É inevitável: a poética de Estrela Leminski é impregnada de seu DNA. Filha de ninguém menos que Paulo Leminski e Alice Ruiz, suas composições, com parceiros diversos, entre os quais a mãe e o marido guitarrista Téo Ruiz, com quem divide discos, palcos e a vida, dão continuidade à melhor tradição (re)inventada pelo casal que agitou Curitiba nas décadas de 1970 e 80, quando a capital paranaense chamava a atenção de todo o Brasil por motivos mais poéticos.

Acompanhados por um power trio da pesada, Diego Perin (contrabaixo), Ruan Castro (guitarra) e Doug Vicente (bateria), Estrela Leminski (voz e efeitos) e Téo Ruiz (voz e guitarra) fizeram uma apresentação meio que de surpresa, na noite de ontem (12), no Reocupa (Rua Afonso Pena, Centro), em mais uma demonstração prática do conceito da casa, de ocupação artística do Centro da capital maranhense.

Vontade de fazer e brecha na agenda, entre um show em Teresina/PI e outro em Belém/PA (amanhã, 13, no Festival Se Rasgum), artistas dispostos a fazer sua arte chegar a mais gente, o cachê no melhor esquema “pague o quanto puder”.

O repertório do show é o do recém-lançado Tudo que não quero falar sobre amor, título longo e bonito, que embala 12 faixas, todas cantadas no show, a que Estrela, “desde sempre estudante de astrologia”, como declarou, acabou atrelando, cada uma a um signo – os poucos mas fiéis leitores que me perdoem, mas não vou conseguir lembrar que música corresponde a que signo.

Começaram o show por Quase feliz, parceria de herdeiras, Estrela Leminski e Anelis Assumpção, filha de Itamar, outro nome cuja poesia e melodia são evocadas no caldeirão de referências de Estrela e Téo. Depois foi a vez de Hit agressivo (Alice Ruiz/ Estrela Leminski/ Jossane Ferraz/ Téo Ruiz): “Tudo anda meio agressivo/ brigo com as ideias sem motivo/ não sou do tipo que se joga/ nem que fica para baixo/ quando tá indignado”, diz a letra.

Biografia (Bernardo Bravo/ Estrela Leminski/ Téo Ruiz) evoca o “vazio agudo/ ando meio/ cheio de tudo”, haicai da lavra de Paulo Leminski: “eu tô vagando na vida/ ando vivendo no vácuo/ minha cabeça tá cheia/ de tanto esvaziar”, cantam num trecho. O vento não ajudava, a noite estava quente. “Eu não sabia que aqui era mais quente que Teresina”, gracejou Téo. Adiante, perguntou: “a gente ouviu todo mundo falando que aqui é a Ilha magnética. Por quê?”. Da plateia alguém respondeu: “é por que depois que você vem você não consegue mais sair”. “Então já estamos todos magnetizados, pois estamos adorando”, retribuiu Téo.

Ruiz de mãe e Leminski de pai, Estrela se casou com um Ruiz. “A gente consegue explicar tudo, só não consegue explicar que não é irmão”, brincou. Eu, ué (Estrela Leminski/ Téo Ruiz), título palíndromo, é mais uma canção a demonstrar a alta voltagem poética da dupla-casal: “se tá confuso assim, sem saída,/ eu vou chamar meu outro eu/ se você duvida/ fui conviver comigo/ eu sei, isso é difícil/ até eu me confundi/ no início/ eu é osso/ eu é ócio/ eu é isso/ e foi virando vício”.

Uso da palavra (Bernardo Bravo/ Estrela Leminski/ Lívia Lakomy/ Mayara Santarem/ Renato Negrão/ Téo Ruiz) brinca com a própria língua portuguesa e suas contradições, de forma bem humorada, com ecos da Isca de Polícia: “vou dirigir a palavra mas não vou atropelar”, começa. O Blues do encanto (Luiz Rocha/ Téo Ruiz) preparou o terreno para Gostável (Estrela Leminski/ Lívia Lakomy/ Rogéria Holtz/ Téo Ruiz), facilmente um hit, tocassem a tevê e o rádio o que realmente vale a pena, a letra passeando entre diversas situações em que alguém lembra de outro alguém: “a culpa é sua se te esquecer é inviável/ você é que é uma pessoa tão gostável”.

Quando cantaram Novela das seis (Estrela Leminski/ Téo Ruiz), Estrela agradeceu: “obrigado por terem vindo. Obrigado por não estarem em casa assistindo tevê”. O título da faixa é o lugar em que alguma/s faixa/s do disco deveria/m estar, talvez não ela própria, seria pedir demais, uma crítica aos meios de comunicação: “entre a idade média e a idade mídia/ fogueira das vaidades distraída/ um argumento sem lógica/ contando sempre a mesma história”. No rodapé de cada faixa, no encarte do disco, uma observação sobre a música ou sua feitura. Nesta, diz o seguinte, vale refletir: “Muitos não leem a notícia mas já formulam sua opinião pela chamada. Já passamos pela idade média e agora parece que chegamos na idade mídia. Vamos ter que substituir o termo “jornalismo” pelo “manchetismo”?”.

É duro ter coração mole (Alice Ruiz/ Estrela Leminski) é trocadilho delicioso, enquanto Nosso livro (Estrela Leminski/ Téo Ruiz) é inspirada declaração de amor. A vida não é justa (Estrela Leminski/ Líria Porto/ Téo Ruiz) é tecida a partir de apetrechos de costura, metáfora da própria vida, esse zig-zag.

A próxima parada de Estrela e Téo é o Pará, amanhã (14), no Festival Se Rasgum. Em ritmo de carimbó, Poliamor (Estrela Leminski/ Téo Ruiz) cita o próximo destino: “esse amor não é gaiola/ você pode sair e voltar qualquer hora/ de Paris até o Pará/ esse amor tem passe livre/ é vip, gif, pra uns é fetiche/ um pinhão no tacacá”.

“Eu ouvi um mais um aí?”, riu Téo Ruiz, antes do bis. Alguém gritou “essa noite vai ter sol”, pedindo Luzes (Paulo Leminski). “Essa banda já toca com a gente há um tempão, mas essa a gente não ensaiou”, Estrela saiu pela tangente. Atacaram de Hard feelings (Itamar Assumpção/ Paulo Leminski), com a letra em inglês misturada a Vinheta I, que abre o disco de estreia de Itamar Assumpção: “Benedito João dos Santos Silva, Beleléu/ vulgo Nego Dito/ Nego Dito, cascavel”.

Referências explícitas, recado dado, não a poucos privilegiados, mas aos curiosos, que se dispõem a sair de casa para sacar um som, mesmo, às vezes, sem conhecer, como o próprio Téo Ruiz elogiou a disposição da plateia. “Ah, eu já sei por que tá tão quente. É o calor de vocês”, reiterou os agradecimentos ao público presente. A noite afinal teve sol, talvez por isso fizesse tanto calor em São Luís.

Jornada poética

Como falar com garotas em festas. Capa. Reprodução

 

Como falar com garotas em festas [How to talk to girls at parties; Quadrinhos na Cia., 2017, 80 p.; R$ 44,90; leia um trecho] não é, ao contrário do que o título porventura possa sugerir, um manual com fórmulas para serem seguidas à risca ou com desconfiança, tampouco um guia politicamente incorreto.

Em primeiro lugar, é o encontro de três artistas geniais, que dispensam apresentações: Neil Gaiman [Sandman e Coraline, entre outros], autor do conto, e os gêmeos Fábio Moon e Gabriel Bá [10 pãezinhos, Daytripper e a adaptação aos quadrinhos de Dois irmãos, de Milton Hatoum, entre outros], responsáveis pela adaptação da história aos quadrinhos.

É redundante dizer que uma graphic novel é cinematográfica, já que os conceitos se confundem um tanto entre a sétima e a nona artes. Além do mais, Como falar com garotas em festas ganhou também adaptação para a telona, com direção de John Cameron Mitchell e elenco com Elle Fanning e Nicole Kidman, que estreia este ano (ainda sem data para chegar ao Brasil).

É um álbum sobre amor e amizade, as confusões destes e outros sentimentos no período turbulento chamado adolescência. Enn e Vic são amigos na Londres dos anos 1970, durante a explosão do punk rock. Um é tímido e não tem sorte com as garotas; o outro é bonitão e espalhafatoso e sempre desperta a inveja do amigo.

O traço de Moon e Bá já é um clássico há tempos e a atmosfera do conto de Gaiman o envolve em poesia, não que eles não já tivessem, mas aqui a questão é particular e direta. Numa casa, em uma festa a que o par de amigos chega por acaso, Enn conhece Triolet, a “garota-poema”. “Você não consegue ouvir um poema sem que ele te transforme”, ela lhe diz em determinada altura.

Há várias metáforas colocadas: nada é apenas o que parece ser e perde quem se contentar com a/s aparência/s, do título ao caderno de rascunhos ao final do volume (que permite perceber detalhes do processo de desenvolvimento da obra).

A hq aborda esse turbilhão de sentimentos adolescentes com um pé na ficção científica, como se a adolescência não fosse um período complicado por si só. Um período de descobertas, experiências, aventuras. De quebrar a cara. De transição. De diversão e de começar a se preocupar com novas responsabilidades. No texto de Gaiman e no traço e nas cores de Moon e Bá tudo se torna mais poético e com poesia é menos duro seguir a jornada.

A poesia indo além

Paulo Leminski dizia que a pessoa que não escreve um verso, mas não consegue dormir sem ler umas páginas de Fernando Pessoa ou outro poeta de sua preferência, é tão poeta quanto quem escreve. Muita gente desiste da poesia às vezes pela forma como ela é enfiada goela abaixo, sobretudo nas escolas, sendo associada, no imaginário popular (preconceituoso), quase sempre a professores/as chatos/as, por detrás de grossas lentes, isso sem falar na “utilidade” da poesia.

Caco Pontes comanda o Baião de Spokens no Teatro Oficina, durante a gravação do dvd. Foto: Mundo em Foco

Mas poesia pode ser outra coisa, poesia deve ser outra coisa, poesia precisa ser outra coisa. Um bom exemplo é o Baião de Spokens, idealizado e capitaneado pelo ator e poeta Caco Pontes (autor, entre outros, do ótimo Sensacionalíssimo, com poemas baseados em notícias de jornais sensacionalistas, editora Kazuá, 2013), projeto multimídia que agrega diversos nomes de várias áreas e já teve várias apresentações em festivais, feiras e mostras.

#Opendrive. Capa. Reprodução

Gregário por natureza, o projeto chega ao disco, recheado de parcerias e participações especiais. Disco é modo de falar, evocando o conceito de álbum: o trabalho do Baião de Spokens é lançado (também) em pendrive, mesclando diversos suportes, com a mídia permitindo ao proprietário/colecionador/usuário salvar seus próprios arquivos além do disco, livro e dvd (com a videoperformance de show gravado ao vivo no Teatro Oficina, enquanto Silvio Santos não lhe veda com suas torres e a “força da grana que ergue e destrói coisas belas”), uma sacada-trocadilho inteligente com o título do trabalho: #Opendrive.

Além de parceiros, participações especiais, linguagens e suportes, #Opendrive também é ponto de encontro de várias referências, da vanguarda paulista ao Nordeste de Luiz Gonzaga (evocado, além de musicalmente, nas xilogravuras do projeto gráfico de Daniel Minchoni), passando pela Bossa nova e pelo rap, afinal de contas, abreviatura de rhythm and poetry.

Melô do pendrive, que abre o disco com a participação especial de Sandra X (voz), dialoga com o rap e o canto-falado de Linton Kwesi Johnson. Réu, com a participação especial de Alzira E e Iara Rennó evoca Itamar Assumpção, melodicamente, no jeito em que o canto é entoado e no sample de Vinheta I (Itamar Assumpção), que abre Beleléu, leléu, eu (1980), disco de estreia do tieteense.

Sophia Lacoste evoca outra obra-prima oitentista, Clara Crocodilo (1980), citada nominalmente, e sua ficção científica. “São Paulo, 25 de abril de 2037”, começa Arrigo Barnabé, convidado especial da faixa, ao lado de Suzana Salles (Isca de Polícia), outra vanguardista paulistana-paranaense.

O nosso bem, com Alice Ruiz, é pura doçura, poemúsica escrito a quatro mãos com o anfitrião. Sinhá D’Oyá é candomblé elétrico, na melhor levada “tecnomacumba”, com a guitarra sempre em pirueta de Kiko Dinucci.

A viola caipira de Daniel Viana ponteia a introdução de Osso, com participação de Gustavo Galo (Trupe Chá de Boldo), coautor da faixa, uma equação de nossos tristes tempos sob o domínio de golpistas: “ói/ a vida aqui/ tá osso/ (…)/ muito carnê/ & pouca carne/ muito negócio/ & pouco ócio”. Gustavo Galo assina ainda, em parceria com Caco Pontes, Osso – Parte 2 (O preço do terço), faixa que se ouvirá mais à frente.

Mariposas suicidas é uma distopia (no fim das contas muito próxima de nossa realidade, como toda distopia) em que o planeta gira e pira, enquanto seres humanos “vivendo seus próprios dramas/ e a caça de insetos/ outra prestação se dando por vencida/ muriçocas temerosas zunido orelhas”.

Com João Sobral, Evoluo indo “desjustapõe” a evolução, entre encontros e despedidas, fluxos, chegadas e partidas, esta “arte do encontro” chamada vida. Firmino Chão, com Lirinha, trocadilha o nome nordestino com a firmeza sertaneja, o nordestino é “antes de tudo, um forte”, seu Euclides, seu Belchior.

Orecular, com Dani Nega, dialoga com as pistas, “poesia pra/ rimar_comer / viver_sentir / obrar_morrer/ …cantar…/ (desconstruir)/ e o que mais tiver de ser”, então, por que não?, dançar.

O Baião de mashups encerra o disco como propõe o título da faixa: remixa e liquidifica Luiz Gonzaga (Baião, parceria com Humberto Teixeira), Caetano Veloso (que cita Gonzagão em You don’t know me, do antológico Transa, de 1972) e João Gilberto (em seu baião autoral Bim bom).

Eis um ótimo exemplo de que poesia sempre pode ser bem mais.

Ouça #Opendrive:

Ceumar e o Maranhão

A cantora Ceumar durante sua apresentação ontem (4) na Ponta do Bonfim. Foto: Fafá Lago

 

A programação atrasou bastante e o por do sol que dá nome ao projeto acabou se transformando em luau. O público não arredou pé e acompanhou com atenção as três atrações que precederam Ceumar.

Eu nunca tinha visto/ouvido Vanessa Serra discotecar: em território predominantemente masculino ela desponta já como um nome importante, com repertório sensível ao ambiente (isto é, o que ela toca dialoga com o universo ao redor do evento), que demonstra profundo conhecimento de música brasileira – resultado de seus anos de jornalismo cultural e colecionadora de vinis, entre os quais esbanjou Papete, Zé Keti, Paulo Diniz, Raimundo Sodré, Roberto Carlos, Nara Leão, Betto Pereira…

Mano Borges (voz e violão), acompanhado de Darklilson (percussão), fez um show no estilo “som do barzinho”, passeando por um repertório de clássicos da MPB, entre Chico Buarque (A Rita), Peninha (Sonhos), Cesar Teixeira (Oração latina, num andamento muito festivo, destituindo o “hino” de sua solenidade), Zeca Baleiro (Mamãe Oxum, tema de domínio público adaptado pelo maranhense, cuja letra errou) e Caetano Veloso (A luz de Tieta). O projeto Ponta do Bonfim tem um público cativo: ele poderia ter apostado em uma coletânea de sua própria obra, embora não tenham faltado Bangladesh (Marco Cruz), que intitula seu melhor disco, Ça va (Mano Borges), Amagni (Koko Dembele, versão de Mano Borges) e, a pedido, Os nós (Mano Borges).

Fernando de Carvalho, acompanhado por Darklilson (que havia ido para acompanhá-lo e acabou tocando com Mano Borges de improviso) e Luiz Jr. (violão sete cordas), fez um apanhado de seus quase 20 anos de carreira, entre músicas de seus discos e constantes no repertório de shows temáticos que faz, como Saudosa maloca (Adoniran Barbosa), Lenda das sereias, rainha do mar (Vicente Mattos/ Dinoel/ Arlindo Velloso), Fiz a cama na varanda (Dilu Mello), O que vier eu traço (Alvaiade/ Zé Maria) – samba de que ele cantou apenas a primeira parte – e, entre outras, Cry me a river (Arthur Hamilton) – que gravou em disco com a participação de Alcione. Abriu o show com Canto de luz (Zé Pereira Godão), com a participação especial de Regina Oliveira (Grupo Lamparina), tocando caixa do divino.

Atração mais aguardada da sétima edição do projeto Ponta do Bonfim – Música, amizade e por do sol, Ceumar subiu ao palco às 21h20, divertindo-se com o vento e agradecendo a oportunidade de estar mais uma vez no Maranhão. “Sempre fui muito bem recebida aqui, desde a primeira vez que vim, em 2001, quando cantei no Canto do Tonico. O Maranhão me deu muita coisa, quando eu comecei a carreira, muita gente perguntava se eu era daqui”, apresentou-se para emendar Oração do anjo (Ceumar/ Mathilda Kóvak) e O seu olhar (Arnaldo Antunes/ Paulo Tatit). Depois lembrou Reinvento, parceria com Estrela Ruiz Leminski, “filha dos poetas Paulo Leminski e Alice Ruiz”. Na sequência, foi de Encantos de sereia (Osvaldo Borgez), do repertório de Silencia (2014), seu disco mais recente.

Depois de Cantiga (Zeca Baleiro), Ceumar lembrou-se de seu encontro com Josias Sobrinho, em meados da década de 1990, na casa de Zeca Baleiro, em São Paulo. “Eu pensei que era meu irmão do Maranhão, a gente tinha os mesmos cabelos, os mesmos olhos”, contou, rindo. “E eu gostei muito de um boizinho que ele fez para a filha dele, Luiza, e eu gravei no meu primeiro disco, como uma canção”, contou, anunciando As ‘perigosa’. Voltou a Zeca Baleiro em Boi de haxixe, seguida de Avesso (Ceumar/ Alice Ruiz).

“Quase todas as vezes em que venho a São Luís eu tenho a honra de poder contar com o auxílio luxuoso de um amigo que levou muito Maranhão pra meu primeiro disco, sonoridades incríveis, até hoje eu encontro músicos que me perguntam que som é aquele, referindo-se ao pandeirão com vassourinha, que Luiz Cláudio inventou”, contou, chamando ao palco o paraense radicado no Maranhão.

Revezando-se entre o pandeiro e o pandeirão, Luiz Cláudio acompanhou-a em Maldito costume (Sinhô), em que se reveza categoricamente entre as platinelas e o couro do pandeiro, Dindinha (Zeca Baleiro), Galope rasante (Zé Ramalho), em que ele imprime o andamento percussivo de uma tribo de índio maranhense. Em Gírias do Norte (Jacinto Silva/ Onildo Almeida) Ceumar trocou o violão pelo pandeiro e Luiz Claudio percutiu o pandeirão com baquetas, evocando uma zabumba. No mesmo esquema, Xodó de motorista (Dilson Dória/ Elino Julião), música que não está em nenhum de seus discos. De volta ao violão e ainda com Luiz Cláudio no palco voltou a Josias Sobrinho, em Rosa Maria, quando um grupo de mulheres da plateia espontaneamente fez um trenzinho circular o salão evocando o cacuriá e levando Ceumar a emendá-la a Maçariquinho (Pedro Caetano/ Clemente Muniz).

Novamente sozinha, demonstrou em Rãzinha blues (Lony Rosa) todo o poder de sua voz, espécie de autenticação do encanto de todos os ali presentes. Após as síncopes de seu violão em Achou! (Dante Ozzetti/ Luiz Tatit), uma demonstração de humildade de Ceumar. “Há alguns anos, quando eu estive aqui, eu tive a oportunidade de conhecer uma cantora e, de longe, acompanho sua trajetória, com atenção”, revelou, antes de chamar ao palco Tássia Campos, de surpresa, sem ensaio. Juntas cantaram (Péri).

Ceumar cumpriu à risca o que anunciou ao subir ao palco: não havia roteiro, era seguir o coração. Todos os corações presentes estavam devidamente tocados enquanto ela procurava mais repertório. Mandou ainda Pecadinhos (Zeca Baleiro) e depois trocou o violão por um par de conchas, que percutiu ao longo de Onde qué (Sérgio Pererê), usando os saltos dos sapatos no tablado também como instrumentos. A plateia cantava em peso e ela desceu e circulou em meio a ela, esbanjando simpatia.

O povo queria mais e ela não se fez de rogada: voltou ao palco para encerrar com outra música que não figura em seus discos. Luiz Cláudio também voltou a acompanhá-la, fazendo o bis antes dos tradicionais pedidos de “mais um”. Já passava pouco das 23h quando encerraram o espetáculo com Engenho de flores (Josias Sobrinho).

A plateia estava em êxtase. Superadas todas as expectativas, quem há de dizer que Ceumar não é (também) daqui?

Ceumar faz show na Ponta do Bonfim

Projeto terá ainda apresentações da DJ Vanessa Serra e dos cantores Fernando de Carvalho e Mano Borges. A cantora mineira conversou com exclusividade com o blogue

Foto: divulgação

“É sempre uma alegria voltar pro Maranhão”, revela Ceumar em conversa exclusiva com Homem de vícios antigos. A cantora mineira se apresenta novamente em São Luís neste sábado (4), no projeto Ponta do Bonfim – Amizade, Música e Por do Sol, iniciativa de um grupo de amigos que se reúne e viabiliza a vinda de artistas que lhes interessam, em clima de confraria, que já chega a sua sexta edição. O evento acontece em uma casa na localidade que dá nome ao evento, os ingressos são limitados e o fundo de palco são o mar e a cidade de São Luís vista do outro lado. Pelo palco do projeto já passaram nomes como Cida Moreira, Danilo Caymmi, Paulinho Pedra Azul e Renato Braz, entre muitos outros.

“Lembro muito bem da primeira vez que eu fui [ao Maranhão]. Fui muito bem recebida, um carinho tão grande de todo mundo, com certeza por causa de Zeca [Baleiro, cantor e compositor que produziu Dindinha, álbum de estreia dela, de 2000], de Josias [Sobrinho, compositor de quem gravou As ‘perigosa’ e Rosa Maria em Dindinha], de Rita [Benneditto, cantora], que foi minha parceira de apartamento em São Paulo. Eu tinha uma curiosidade muito grande em conhecer a energia aí do Maranhão. E vocês todos, Gilberto [Mineiro, radialista, já produziu shows de Ceumar em São Luís], você, sempre gente muito querida, com paixão mesmo, fazendo tudo com paixão. A experiência o ano passado foi incrível, no festival de jazz [Ceumar se apresentou no 3º. São José de Ribamar Jazz e Blues Festival], achei muito massa participar com meu sobrinho [o contrabaixista Daniel Coelho], e este ano eu percebi mesmo o empenho dessas pessoas para que eu pudesse ir participar desse projeto”, relembra Ceumar.

Pergunto-lhe se iniciativas como a deste grupo de amigos podem ser uma alternativa, num momento de sucessivos golpes à cultura brasileira. “Acredito que é um caminho muito possível e necessário nesse momento em que os projetos estão cada vez mais escassos, que as pessoas que gostam de música, são apaixonadas e que possam contribuir, como mecenato, acho muito válido, é uma saída bastante importante para nós nesse momento”.

Em uma tarde que terá ainda apresentações da DJ Vanessa Serra – que começa a tocar seus vinis às 14h30 – e dos cantores Fernando de Carvalho e Mano Borges, Ceumar subirá ao palco da Ponta do Bonfim com seu violão, para um show intimista. Ela adianta: “Já vou soprar que vou ter um convidado especial, meu amigo Luiz Cláudio [percussionista] se prontificou a ir lá tocar algumas coisas comigo. Ele é muito importante pra minha história, trouxe muitas sonoridades incríveis pro Dindinha, o primeiro disco, Luiz Claudio chegou cheio de Maranhão na linguagem e foi muito rico, assim. Luiz vai dar uma canja. Eu quero mostrar um repertório variado, não vou fazer o show do cd novo, o Silencia [de 2014], vou passear um pouquinho pelos outros álbuns”.

Insisto no momento conturbado que o país atravessa. Ela responde com a elegância habitual. “Eu voltei da Holanda já faz quase dois anos, muito por que eu me sinto mais útil aqui no meu país, principalmente agora, num momento tão caótico. O que minha música traz, o que eu tento trazer através dela é o lugar da emoção, do contato direto com as emoções mais profundas de cada ser. Não sei se eu consigo fazer da melhor maneira, mas é o meu intuito, que as pessoas despertem para o que elas têm de melhor e através desse bem maior, assim, a gente possa, cada um possa fazer o seu papel. Acho que é essa a minha função dentro da minha música, dentro do meu país, trazer um pouco de humanidade e de alento também, para que a gente tenha força para lutar quando for necessário, se juntar e lutar pelo que a gente merece, como povo, como país, com essa riqueza toda. Eu sei que não é fácil, sou apenas uma mera cantadeira, mas acredito que o afeto ele segura muita coisa e não quero que pareça pretensioso, mas o povo brasileiro é muito afetivo, a gente não pode perder essa força que a gente tem no abraço, no sorriso, para que a gente tenha um futuro mais organizado pros nossos filhos, pras nossas famílias e essas crianças que vão vir por aí”.

Pergunta sempre inevitável: e o disco novo? “Ano que vem tem disco novo, já estou começando os trabalhos, escolha de repertório, composições novas, uma nova sonoridade também que eu estou buscando, o processo natural. Eu sou uma mineira bem [risos] caipira, faço tudo no meu tempo e assim vou indo. Mas tem um projeto para 2018 e vamos lá!”.

*

Ouça Ceumar em Rosa Maria (Josias Sobrinho), com a participação especial de Itamar Assumpção fazendo a “voz de preto velho” na introdução: